Playground magazine

A veces, perderse algo puede convertirse en una bomba. Hace unos ocho meses recibí un álbum de un artista de Bristol llamado Typesun, creo que fue uno de sus amigos con el que tengo relación el que me lo mandó. El álbum se quedó en mi pila de “discos para escuchar”, para nunca llegar a ser escuchado debido a, en mayor medida, la cantidad insana de música que recibo/reviso/no reviso (¡pobre de mí, etcétera…!). Llegamos a principios de este año y empiezo a hablar con Typesun a través de Twitter, felizmente inconsciente del hecho de que su álbum estaba en algún lugar de mi disco duro. Esta ‘situación’ continuó durante unos cuantos meses hasta que me preguntó por una demo que mandó de su otro proyecto, 7 Arrows. En ese punto empecé a montar las piezas del puzzle y cuando me mandó el sencillo y una (nueva) copia del álbum mi cabeza hizo clic. Lo que es aún más gracioso es que unas semanas después de que esto pasase estaba hablando con su vecino de Bristol Guido –para un artículo que publicamos aquí ayer–, que me dijo que Typesun era el batería y una de las fuerzas motrices de su nueva banda de directo. El círculo se cierra, pues.

Al sentarme a escuchar el álbum, titulado “Work Is Love Made Visible”, durante el curso de unas semanas me fascinó profundamente. Ofrece una mezcla de estilos a través de sus nueve pistas, que van desde el hip hop y el soul pasando por números de pista de baile de influencia dubstep con lo que para mí parecía una clara influencia orgánica/en vivo, haciendo de él una propuesta refrescante en medio de la saturada escena de música de baile –no es que sea un disco de música de baile en sí, pero algunas partes definitivamente sí encajan en esa categoría y en el background y trabajo de Typesun. Añade a esto un despliegue de preciosas voces de una variedad de cantantes que tocaban temas que sentí extrañamente en sintonía con mis actuales humores y reflexiones –especialmente las canciones que tocan el amor y las relaciones – y tienes lo que realmente se siente como uno de los álbumes más fuertes que he escuchado de Bristol en lo que va de año, y uno que pensé que corría el peligro de pasar fácilmente desapercibido. Así que hablé con Luke, que es como se le conoce en el mundo real, y pactamos una entrevista y un mix para esta serie con tal de presentar al hombre y su música a un público más amplio.

Lo que sigue es una entrevista hecha a lo largo de unos cuantos emails. No soy el mayor fan de las entrevistas online pero tengo que admitir que esto es probablemente una de las más genuinamente divertidas y gratificantes que he podido hacer (ojo, no quiero ofender a ningún otro con el que haya hecho entrevistas de este tipo). Ofrece una inmersión a la persona artística de Luke, así como a lo que condujo a la creación del álbum –un tema que me interesó mucho explorar ya que descubrí que algunas canciones tenían cinco o más años. Pese a ser –como él mismo admite– un poco depresivo/negativo a ratos en sus respuestas, creo que esta discusión ofrece una inmersión genuinamente interesante en los procesos creativos que conducen a la música y que a menudo son ignorados a favor de los elementos más fácilmente vendibles del arte. Junto a esto tienes un mix exclusivo influenciado por nuestras discusiones y que discurre a través de elementos del álbum, temas inéditos y música que le gusta Luke.

Empecemos por el principio, ¡con la confesión de que no tengo ni idea de quién es Typesun! Así que, ¿cuál es la historia ahí, quién eres, de dónde vienes, cómo te convertiste en músico/productor?

Nací en Bristol, crecí en un pequeño pueblo a las fueras, mi padre tocaba el piano pero decidió que no iba a ser su carrera. Siempre tuve música alrededor, siempre hice música, escribía letras, etcétera. Descubrí la batería destartalada del colegio al mismo tiempo que lo hice con la similarmente destartalada Atari de la escuela (encerrada en un cajón y no usada). También pasaba el rato en las habitaciones de los hermanos mayores de mis colegas mezclando jungle con platos. Así que podría decirse que son unos inicios bastante estándares para mucha gente de este país, aunque quizá la diferencia es que aunque lo intenté, nunca he conseguido separar los tres aspectos (tocar la batería, producir y pinchar).

De ahí hice lo que cada adolescente hace, descubrí el free jazz y me enamoré de él. Fue como mi punk. También me gustaban las otras cosas importantes en la vida: hip hop, jungle, budismo, chicas, marihuana y ese rollo, pero nada como poner a todo volumen Kulu-Se-Mama o un disco de Cecil Taylor. A partir de ahí ha sido una serie de altos y bajos conforme se me ha pegado en mi dura cabeza, lenta y dolorosamente, que ya no estamos en 1965, que Orrin Keepnews no iba a aparecer mágicamente y ofrecerse a grabar mi banda y la mayoría de la gente sólo quiere escuchar Bros/Spice Girls/JLS/Katy Perry (bórrese el nombre acorde con la década) y no está muy contenta con la idea de que la música exprese lo inexpresable y otras gilipolleces de ese tipo.

Así que una cosa que he podido entender hasta ahora es que hacer el álbum ha llevado su tiempo. ¿Cuál es la historia detrás de esto?

Hay muchas, muchas historias que podría contar pero la más sencilla y directa es probablemente que todo el asunto simplemente ha sido un proceso de exploración y orgánico. Al principio ni siquiera sabía que estaba haciendo un álbum. Simplemente estaba haciendo la música que necesitaba hacer. El material de este LP sólo representa una fracción de la música que he escrito en los últimos cinco o seis años, y por alguna razón muchas de las piezas necesitaban tiempo para respirar o fermentarse durante el proceso. O en algunos casos esperarme para alcanzarme en mi inspiración inicial en términos de madurez y fuerza como artista con tal de que pudiese tocar las partes o escribir las palabras que sabía que querían salir.

Lo que todas las piezas del álbum tienen en común es que todas empezaron como semillas o pequeños paquetes de información para mí y que tenían todo lo que iban a ser dentro. Sólo tenía que desempaquetarlos. Pero, de hecho, hacer esto me consumió mucho. “Little While” tenía siete vocalistas distintos en ella antes de que Jonatan (el gourmet sueco del soul llamado Ernesto) finalmente la llevase a dónde necesitaba ir con el estribillo. Incluso entonces acabé por escribir las letras y la melodía de los versos por mi cuenta. No toda la música que escribo es así, “Could It Be” simplemente nos cayó del cielo a mí y a Sabira. Como un regalo al final. Pero entonces entraron a robar a mi casa y se llevaron el laptop, por lo que tuve que empezar de nuevo desde el principio, pero aún así fue pan comido.

Gradualmente, quedó claro que había un cuerpo de material coherente, y aunque no me podía engañar a mí mismo pensando que estaba “dirigiendo” el proceso, pregunté constantemente cuál era la temática hasta que me di cuenta eventualmente de que todo tenía que ver con las canciones. Mi amor por las canciones como batería, DJ y productor, y el contenido era… cualquiera que fuese. También algo sobre personas. Son canciones para la gente. Suena bastante obvio, pero me ayudó a la hora de separar lo que iba a formar parte del álbum y lo que iba a destinar a otras cosas. También me ayudaron mucho varios sellos de Bristol que más o menos sabían que no lo iban a lanzar pero aún así querían ayudar. Eso era alucinante para mí. Este álbum no hubiese salido sin esta gente.

Mientras escribía estas canciones escribí música para cinco performances de danza profesional, dos de las cuales están haciendo giras internacionales. He actuado en la mayoría de los locales de Bristol como batería y DJ y más o menos he escrito un segundo álbum esperando que salga éste. Me di cuenta pronto de que los vídeos iban a ser una parte importante del proceso, así que dirigirlos, colaborar en ellos o coordinarlos me absorbió bastante tiempo. He intentado acelerar toda esta escala de tiempo pero aún ahora, cuando queda un mes para que salga el primer sencillo, aún hay piezas que se niegan a encajar por mucho que lo intente. Creo que necesito aceptar que tiene una vida propia y hago lo que puedo aquí y allá.

La música de este álbum es, para mí, bastante variada estilísticamente aunque obviamente anclada en alguna parte del mundo dubstep/140bpm. ¿Qué te condujo a hacer un álbum tan diverso? ¿Fue un resultado normal de tus propios gustos musicales e inclinaciones?

Era simplemente lo que pasaba alrededor mío en esa época. Tengo muy poco control sobre mi trabajo. Va y viene. A menudo me gustaría tenerlo, pero parece como que lo mejor que puedo hacer es agarrarme a una idea en mi cabeza y mi cuerpo en relación al significado de una pieza, y luego dejar que empiece la batalla. O bailar. A veces es un baile. Para mí el álbum tampoco es tan diverso, creo que la perspectiva está bastante pulida y encauzada hacia la idea de un “todo”. Y creo que esta perspectiva es “significado y contraste”, con la otra polaridad siendo “canción versus sistema”. Diría que una pregunta más apropiada sería: como conseguiste hacer un álbum tan coherente. La respuesta a eso es: tengo suerte de tener tan buenos amigos.

La música también tiene un feeling orgánico, después de varias escuchad llegué a la conclusión que estaba grabado “en directo” con instrumentos en vez de estar secuenciado utilizando un ordenador. Si es así, ¿cómo encuentras el proceso de escribir, interpretar y grabar un disco esencialmente electrónico y de baile (pienso sobretodo en los cortes más obviamente dubstep) con instrumentos reales?

Cada track ha tenido un proceso distinto. Me interesé en esto a partir de haber sido, durante años, un batería que no tenía ni idea de cosas como “armonía” o “escalas” y que también pasó mucho tiempo utilizando simplemente un sampler. Así que cuando finalmente tuve una estación de trabajo que podía gestionar audio y MIDI no me lo podía creer. Era en plan “¿qué pasa si empiezo con los acordes?”, “¿cómo se escriben las melodías?”, “¿cuál es la conexión entre que yo toque ritmos en directo y hacer algo para un soundsystem?” y, por supuesto, “¡Oh Dios mío, puedes hacer zoom a lo largo de toda la onda!”. También creo que si no requiere esfuerzo no es realmente música...

De todos los tracks del disco, “Upstream” es la más genuinamente “acústica” en el sentido al que te refieres. El bajo y las baterías fueron grabados en una sola toma y después sólo se hicieron “tape edits” para darle la estructura final. No hay ritmos electrónicos y, para entendernos, está totalmente fuera de la rejilla. Los mejores viejos ritmos de dub fueron hechos por tres o cuatro tipos en un estudio superponiendo capas y quería demostrar que aún se puede hacer lo mismo con un estilo rítmico que sea popular hoy en día. Fue interesante leer tu entrevista con Débruit, porque habla sobre dibujar y escribir sus composiciones en papel antes de hacerlas, y este track que menciono viene de un esbozo que había hecho. Ben (Crackazat), que tocó el bajo y la guitarra, decía en plan “eso no es música” cuando se lo enseñé, lo único que pude decirle fue “para mí lo es, vamos a tocarlo”.

Me gusta que toques el punto sobre el sonido global, porque muy al principio del proceso me di cuenta de cuál sería la paleta que iba a utilizar para mantener la unidad. Me acuerdo de una vez que Joker me preguntó “¿a qué tempo trabajas?” Y me dejó un poco descolocado. Fue en plan “en todos, supongo”. Nunca sería alguien que se agarra a un tipo de groove y quedarme exclusivamente en eso. Soy demasiado obsesivo-compulsivo. Quiero probarlos todos. Todos los grooves, todos los tempos, todas las técnicas de producción, todas las estructuras armónicas, todos los estados de ánimo, todos los temas y no quiere simplemente recrearlos sino hacerlos míos. Si te contara exactamente como estructuro mi estilo sería una respuesta muy larga y probablemente muy aburrida, y seguramente también distraería de la experiencia de escucha. Basta con decir que me llevó mucho tiempo y muchos errores y experimentación, pero a lo largo de este disco definitivamente desarrollé un estilo con el que estoy satisfecho como una expresión precisa de lo que he venido escuchando en mi cabeza desde que era un niño. Hay un código. Hay referencias integradas. Mi esperanza es que sea música a la que la gente quiera volver y que seguirá revelando más sobre si misma cada vez que lo hagan.

En el tema de la lucha en la música, es algo sobre lo que he estado pensando mucho en los últimos tiempos, el modo en que las dificultades y el dolor desemboca en un cierto tipo de calidad en las artes creativas. Casi como si, como decías antes, estas dificultades fueran una característica esencial para que el arte tenga un valor que vaya más allá de lo obvio, más allá de la superficie. Así que, dándole la vuelta por un momento, ¿qué pasa cuando haces música y no hay sufrimiento? ¿Es posible que esto pase? Quizá suena como una pregunta estúpida pero es algo sobre lo que he estado reflexionando, no creo que el sufrimiento y el dolor sean las únicas cosas que hacen que un determinado tipo de arte sea bueno, pero ciertamente puede realzarlo significativamente. ¿Así pues, que pasa cuando hay menos sufrimiento y surge algo que tu, como artista, consideras que es bueno y vale la pena?

Me alegra que me preguntes esto porque quiero ser claro. Es simplemente algo de lo que he dado cuenta acerca de mi mismo; tengo esta idea de rastrear debajo de la superficie de mi propio trabajo y que tiene que ser complicado / casi imposible para que valga la pena hacerlo. Esto no quiere decir que sea verdad. De hecho estoy seguro que no lo es y en cierto modo creo que es más un inconveniente que no una ayuda. Cuando trabajo tengo que verme a mí mismo pensando de ese modo, o asumiendo sin de manera inconsciente y luego decirme a mí mismo: “¡no todo tiene que ser lo más complicado! Has estado haciendo esto mucho tiempo, ¡deja que fluya!”.

Trabajar bajo esta premisa significa que tiendo a producir música que tiene una cierta intensidad, algo que me gusta y que creo que es fiel a mi experiencia pero luego ha habido muchos tracks que simplemente han “aparecido” y inmediatamente sé cómo quieren ser y cómo voy a hacerlo. Definitivamente esto no las convierte en menos significativas para mí. Imagino que simplemente estoy más agradecido por ellas, porque no parece que no me hayan costado tanto trabajo. Como he dicho, “Could It Be” fue una de esas, “Last Home” fue también de esas... Tenía grandes planes para desarrollar los arreglos pero perdí los archivos y me quedé con esa versión de cuatro minutos. “The PL” fue de esas, también, al menos en el tramo de la escritura.

Algo me gustaría decir para concluir este punto es que también me doy cuenta que tengo este compromiso conmigo mismo de “hacer las piezas complicadas” y me gusta que sea así. Si no fuera así no sé si las que surgen de manera fácil serían buenas. Veo a muchos productores y músicos jóvenes alejándose de los retos y aferrándose a material que demanda menos, no necesariamente en términos de tiempo o esfuerzo, pero en el sentido de cambiar como ser humano. Si la música no me empujara constantemente a cambiar y al mismo tiempo dándome las oportunidades precisas que necesito para cambiar no creo que me preocupara por ello. Con esto quiero decir que no creo que me fascinara del mismo modo en el que sigue haciéndolo después de tanto tiempo. ¡Ciertamente no tiene que ver con el dinero! Dicho esto, me encantaría ser capaz de hacer bangers o éxitos en las listas del modo en alguna gente es capaz de hacer...

Hay ciertas preguntas asociadas a esta idea de dificultades y creatividad: cuando ves que las dificultades se acercan y parece que tienes la opción de abrazarlas o no, ¿de dónde viene el momentum que me hace seguir adelante? ¿Viene siempre del mismo sitio? ¿Cambia según el momento del día, del mes o de la vida? ¿Cómo afecta esto al trabajo? ¿Puedes identificar eso en la manera en que escribes? ¿Qué es eso para ti? Quizá necesitamos un hashtag para ello #whenicantbefuckedistillmakeartbecause.

Es algo con lo que todavía “me peleo”, imagino. Definitivamente creo que lo que apuntas, especialmente en relación al hecho de escoger si sigues adelante con ello y sus propiedades cambiantes, es relevante a las dificultades y su relación a cualquier forma de creatividad. Creo que una gran parte de ello para mi viene del hecho que estoy leyendo muchísimo a Philip K. Dick y él era un hombre que escribía alimentado por muchas dificultades (si es que el documental sobre su vida que vi y las cosas que leo son indicadores válidos). Y su trabajo fue “ignorado” –especialmente en su país, aparentemente era muy grande en Francia, algo que me resulta hilarante– hasta que, tras su muerte, fue elevado a uno de los más importantes escritores del siglo XX, y a mí me parece que lo mejor que escribió vino de las dificultades. Quizás por ellos sus textos son tan adictivos y fascinantes, porque hay una sustancia en ellos con la que todo el mundo se puede sentir relacionado. Lo mismo ocurre con la música, en el sentido de que es la misma razón por la cual conecté con tu álbum mientras lo escuchaba con detenimiento mientras sacaba esas conclusiones. Y entonces tú me lo confirmas en tu respuesta, haciendo que todo cuadre. Pero tienes razón, un hashtag estaría bien. Continuando, y volviendo a la pregunta previa, la gente que hace dubstep o música de baile con instrumentos en directo continúa siendo excepcional a pesar de la popularidad que ha alcanzado el género. Ahora parece haber algunos buenos ejemplos de gente haciendo esto con buenos resultados y, para mí, cuando se hace de manera adecuada, añade algo a los potenciales que de por sí presenta el género. ¿Qué opinas acerca de ello y qué crees que es lo mejor de hacer música de baile con instrumentos reales?

Lo que realmente encuentro interesante es la sutileza de la expresión que se pueda producir con cualquier clase de medios. Una gran producción pop puede tener todo tipo de detalles pero el mensaje global podría estar completamente falto de matices, dejando de aportar algo útil a nivel humano. Con esto quiero decir útil en términos de conectar más profundamente con nosotros mismos, nuestras experiencias y las de otros. Puedes escuchar ocho fraseos de un tema de Silkie o de Led Zeppelin o de Bach o de lo que sea y aprender algo completamente nuevo sobre ti mismo y la manera en la que vives la vida. En ese sentido, siempre me encuentro intentando crear en mis producciones la misma respuesta energética que consigo cuando me siento delante de la batería. A propósito de este tema, una canción interesante en el LP es “How We Think About Us” porque está hecha prácticamente entera con Reason (los fans del grime detectarán esos snares) y no tiene ningún instrumento grabado en directo. Quizás sea culpa de la fuerza de la voz. Pero también hice un esfuerzo por que cada elemento de la línea rítmica cuente su propia historia.

Parte de los motivos por los que es poco común encontrar producciones hechas en directo para el club hoy en día es el coste derivado de alquilar un estudio, contratar músicos y el hecho de que los sellos hayan dejado de invertir en esa manera de trabajar. Tú tienes que componerlo, grabarlo, producirlo, mezclarlo e incluso masterizarlo; a continuación hacer los vídeos y demostrarle a alguien que simplemente no le interesa Weather Report o Charles Stepney –y que probablemente nunca le importarán– que tienes 10.000 likes en un vídeo de Youtube antes de que ellos siquiera piensen en invertir la suma de dinero necesaria para grabar un disco genuinamente “en directo”. Esto me entristece y he encontrado mi propia forma de llevarlo, pero es difícilmente sostenible y no es lo mismo que meter a todo el mundo (al menos la sección de ritmos) en la misma habitación. “Off The Wall” de Michael Jackson se concibió con una banda en directo. Podríamos no volver a tener discos así nunca y es algo que me hace sentir triste. Reconozco que, de alguna manera, todos los días pienso en esto.

¿Qué diferencias hay entre los proyectos Typesun y 7 Arrows? ¿Por qué sentiste la necesidad de crear un nuevo alias?

Ambos son extremos de la misma cosa, de alguna manera. Diferentes dimensiones de ello. La principal razón fue algo así como una especie de preocupación humanitaria de que alguien pudiera escuchar “Sad Songs” o “The PL” o algo del disco, me busque y a continuación quede permanentemente marcado por “Emanation” u otro material de 7 Arrows. Como ya te he dicho, solo soy realmente feliz cuando puedo expandir mis fronteras musicales, así que la diferenciación es simplemente una excusa para ir tan lejos como quiero con las estrategias de producción y los estándares de expresión.

Desde otro ángulo, quizás 7 Arrows es la banda en la que siempre soñé estar pero que descubrí de una manera bastante dura que tenía que traer al mundo yo solo. A Typesun le acabo de permitir evolucionar y ahora mismo él se encuentra un poco más relajado con todo esto de hacer música que cuando empezó. Mis primeros sets en solitarios eran bastante tensos.

Eres también el batería que usa Guido en su nuevo proyecto en directo. ¿Cómo ha sido esto? ¿Desafíos, momentos a destacar…?

He ido conociendo a Guy (Guido) mientras iba haciendo este disco y siempre hemos trabajado juntos en cosas. El primer encuentro en gran parte porque yo era director musical de la banda en directo de Javeon McCarthy (The Shadz) y tocábamos mayormente material que Guy había escrito en ese momento. Hicimos Glastonbury y un montón de bolos geniales, pero es difícil mantener el trabajo conjunto de una banda, incluso si es pequeña, hoy en día. Así que acabé sugiriéndole a Javeon que dejara descansar a la banda y se centrara en sus grabaciones.

Después de eso me tomé un descanso de actuar en directo para tener el álbum terminado, sabiendo que cuando Guy tuviera sus historias preparadas yo trabajaría con él. Todo cuadró bastante bien ya en los ensayos. Nuestro primer bolo fue en Madrid, entonces hicimos algunas cosas en Bristol. El trabajo requerido para sacar adelante un proyecto como este puede ser frustrante, considerando el perfil de Guy como productor. Aunque supongo que así funcionan las cosas hoy en día. Tampoco hay canciones “clic” en los set de directo. Para mí, es algo no negociable actualmente. La música en directo requiere de vida y la vida es el pulso necesario y ese pulso puede venir de un microchip en el sentido de que en vez de tocar podría simplemente poner un mp3. No estoy menospreciando a nadie que haga sus sets con un portátil o un secuenciador (de los cuales estoy a favor ya que jugar con la rapidez con la que evolucionan tiene su propio arte), pero como batería, si tienes un batería en tu banda ¡quiero verle tocar en directo!

Entonces, ¿cuáles serán tus siguientes pasos? ¿Cuándo sale el álbum? ¿Qué hay de tu proyecto 7 Arrows, algún lanzamiento? ¿Tienes pensado hacer shows, pinchar, etc., como parte de la promoción?

Lo siguiente es el primer single del LP, “Heart Maths”, que se editará en 12” y en digital con un remix de Peverelist en la cara B. Estamos bastante seguros de cuál será el siguiente single, pero primero queremos ver cómo funciona antes de comprometernos. El álbum podría estar listo para mediados o finales de octubre acompañado de siete vídeos realizados por algunas de las personas más creativas y más agradables para trabajar que me he topado en mi vida (animación en stop motion, una marioneta renderizada en 3D, ballet extremo out-door, un micro drama y krump en slow motion, para que te hagas una idea de la temática). También habrá una edición de remixes del álbum en el que aparecerán versiones de Behling & Simpson, Mematone, Crackazat, Andy Mac, Outboxx y Duppy Beats entre otros y, por supuesto, más vinilos.

A finales de agosto habrá un directo para comenzar la campaña de promo del single y el disco, para el cual espero contar con Luke Spurgeon en los visuales. Es una combinación en la que hemos estado trabajando un montón desde que nos conocimos en un bolo de Little Dragon en el que yo teloneaba. Después de esto habrá algo a mediados de septiembre en Londres y en cualquier otro sitio guay en el que me inviten a tocar o a pinchar. Me encantaría tocar en Manchester y Leeds, fijo. El tour todavía no está cerrado así que estoy abierto a ofertas. He hecho un par de actuaciones como 7 Arrows alrededor de Bristol recientemente que han tenido un buen recibimiento. Tengo otro EP como 7 Arrows acabado, todavía sin firmar por ningún sello, en una línea similar al primero y un álbum entero casi hecho para el cual estoy buscando un sello con el que trabajar y promocionarlo junto con el A&R. Por último, pero no por ello menos importante: pronto habrá otra referencia en Futureboogie (¡Lo siento chicos por haber tardado tanto!) y un extended mix VIP de “Last Home” en camino firmado por toda una leyenda bristoliana.

Fotografías de K148/Shifteye, K148/Paris y Duchess Photography.