Playground magazine

Hace unos ocho años, cuando aún no le importaba a nadie la evolución que pudiera sufrir el hip hop a partir de las paletas establecidas de los 90s por gente como Dabrye, Prefuse 73 o Danny Breaks, hubo un pequeño grupo de DJs y productores de Los Ángeles que se reunía cada mes para pinchar esos nuevos beats para una audiencia pequeña pero entusiasta. El público tenía la oportunidad de sentarse allí y empaparse de sonidos mientras garabateaban en trozos de papel o, si así lo preferían, una vez se empezaba a imponer la idea del productor como punto central de la música en lugar de los raperos, salir fuera a fumar hierba y reproducir esos beats en radiocasetes para disfrutar en privado. Aquella fiesta se llamó Sketchbook y la fundó nada más y nada menos que Kutmah, el visionario californiano ahora establecido en Londres, y ahí estaban también las técnicas de selección y la sabiduría de Eric Coleman (conocido por Mochila), además de un tipo llamado Orlando y otro al que conocimos como Take. Algunos de esos chicos que reproducían sus beats en radiocasetes en las calles eran unos tales Flying Lotus, Mr Dibia$e y Ras G, por cierto. Cuando Sketchbook cerró sus puertas unos años después –porque todo el dinero se destinaba a comprar nuevos discos hasta gastarlos, y la noche no tenía intención de ganar dinero, tal y como Take me lo comentó en 2009–, la propuesta fue rápidamente sustituido por Low End Theory, que retomó las cosas tal como las habían dejado Sketchbook al proveer a la ciudad de un centro neurálgico en el que se ofrecía el lado más alternativo de la producción electrónica y hip hop. El resto, como dicen, es historia (y si te interesa esta música, Google es tu amigo, pues no podemos desviarnos del tema, desgraciadamente).

Take se convirtió en uno de los mejores productores de Los Ángeles, pero a la vez estuvo altamente subestimado. Se le conoce especialmente por entregar el disco prematuro “Earthtones And Concrete” para Inner Current en 2007 y “Dirty Decibels EP” para Eat Concrete en 2008. También lanzó material en el seminal sello angelino Poo Bah, en All City Records de Dublín y recientemente en Alpha Pup, donde se editó su tercer álbum en 2010, “Take Mountain”. Al mismo tiempo, cambió su nombre de Take por Sweatson Klank. Y aunque me encantaría que hubiese una historia romántica o interesantes detrás de este cambio de alias, el ímpetu real fue que a finales de la pasada década tener Take como tu pseudónimo te hacía que fueses prácticamente imposible de googlear, y todos sabemos que ésta no es la mejor manera de sobrevivir como artista en estos tiempos. Además, Sweatson Klank es un nombre mucho más majo.

Finalmente, tras romper un silencio de producción proverbial de dos años, Sweatson Klank vuelve este año con un nuevo y refinado sonido que muestran esa inteligencia y capacidad de producción fragmentada que sólo los años de experiencia te pueden dar. El primer bocado de cómo suena esta nueva cuvée de Sweatson Klank es “Elevate Me EP” en Project:Mooncircle, que sale a la venta este mes y que debería tener su continuación en formato largo en algún punto del año. Al estar al tanto de la nueva música desde el pasado invierno, puedo decir con garantías que éste es el mejor trabajo de Sweatson hasta la fecha, en mi opinión, a la altura de esa obra cumbre que es “Earthtones And Concrete”, en el sentido de que es alguien que sabe cómo llevar el hip hop a sitios a los que nunca hubieses imaginado que llegaría. La nueva música mostrada en “Elevate Me” y en el próximo álbum flirtea con tempos altos, melodías tramposas y tonos de bajo suaves y sustanciales sin olvidar algunos ritmos troceados memorables y samples a los que les ha dado la vuelta. Sweatson es, a fin de cuentas, un hombre hip hop.

Para celebrar su nuevo EP y su próxima gira europea, le hemos pedido una sesión y le hemos lanzado unas rápidas preguntas para averiguar de dónde ha venido este sonido nuevo, hacia donde va y otras cosas interesantes, como qué demonios ha ocurrido con todo el rollo de los beats que estaba tan en boga hace tres años, y cuál es su ciudad favorita del Viejo Continente. Sweatson Klank ha cumplido debidamente, además, con una mezcla de 40 minutos que flirtea con una cantidad poderosa de sonidos que le han influenciado tanto a él como a coetáneos como Om Unit. Lee y escucha con el volumen alto.

Has hecho música durante más de diez años y tu producción ha evolucionado a lo largo del tiempo junto a tu personalidad artística. ¿Cuál dirías que es la diferencia principal entre la música nueva que has estado haciendo y la que vino antes de ella?

Para mí, es simplemente la evolución de un artista. Por lo que puedes extraer de esta mezcla, me encanta todo tipo de música y mis influencias siempre han venido de sitios muy distintos. Muy a menudo mi música se moldea a partir de mi vida y sus experiencias. Por supuesto, todos nos influenciamos también por lo que escuchamos y eso cambia constantemente. Siempre he dicho que para que la música siga siendo divertida hay que intentar nuevas cosas. Nunca he sido de encasillarme en un sonido. Me gusta experimentar y al mismo tiempo darle mi toque personal a las cosas. Esta nueva música es simplemente la evolución natural de dónde ha estado mi cabeza musicalmente en los últimos meses.

Personalmente, el elemento más sorprendente del nuevo material que has estado haciendo –incluyendo algunas de las pistas de “Mooncircle EP”– es que trabajas con un tempo tradicionalmente más asociado a la música de baile, pero en cambio tu música es indiscutiblemente hip hop, tanto en su enfoque como en su resultado final. ¿Hubo una razón específica detrás de esto? ¿Fue tu objetivo intencionado o fue más bien el resultado de lo que salía naturalmente mientras escribías?

Salió naturalmente. El hip hop siempre está en mi corazón, así que supongo que es inevitable que surja a través de mi sonido sin importar a qué tempo esté. Trato de no quedarme atrapado en ningún subgénero de la música electrónica, y sólo hago lo que siento que es correcto, sin importarme el momento.

¿De dónde vinieron las influencias para este nuevo material? ¿Qué es lo que te motivó a escribir esta nueva música y hacer evolucionar tu sonido de este modo?

Una parte del sonido viene de escuchar mucha música que no se puede categorizar y que ha salido en los últimos años, llegada del Reino Unido y Europa. La otra mitad tengo que decir que está inspirada en el R&B americano de mitades y finales de los 80s. Si escuchas los sonidos del EP, muchos de los samples están tomados y readaptados de ese tipo de discos. Como ocurre con la moda, donde algunos estilos van y vienen, es aquí donde estoy en mi evolución como coleccionista de discos, después de pasarme años coleccionando breaks clásicos, soul y funk de finales de los 60s y de los 70s. Es natural para mí moverme hacia este sonido 80s. Así que estos son los discos que he escuchado últimamente y, por supuesto, la influencia aparece en mi propio sonido. Si escuchas atentamente el EP creo que cobrará sentido esto que digo.

El EP sale este mes y creo que hay un álbum en marcha. ¿Podrías darnos algo más de información sobre la forma que puede tomar y lo que podemos esperar?

Saldrá un álbum próximamente. Es difícil de decir, pero se puede esperar aún más evolución en mi sonido. El álbum tiene algunos vocalistas invitados con los que estoy muy emocionado, entre ellos Anna Wise, de SonnyMoon, SelfSays y Doc Illingsworth de Detroit, y otros tantos que mantendré en secreto de momento. Por lo que se refiere al tempo, el álbum es disperso. El enfoque está en las propias canciones. Trato de pensar en un álbum como si fuese de la vieja escuela. Debería reproducirse de principio a fin como una corriente cohesiva en lugar de ser una colección de beats. Es algo que debería llevarte de viaje y que quieras escuchar una y otra vez, porque tu experiencia con él y dónde estás en tu propia vida crece continuamente.

¿Esta nueva música ha impactado o influenciado tus directos, o por lo menos tu enfoque en las actuaciones?

Desde luego. Y viceversa. Los directos tienen un papel muy importante estos días. Hay una delgada línea que separa hacer música para pistas de baile y sound systems con bajos gordos y hacer música que es lo suficientemente interesante como para poder ser escuchada en casa, en tus cascos o en el autobús. Diría que ando sobre esa línea.

¿Cuán importante es para ti Los Ángeles, a nivel personal, pero también en el sentido de hacer música y ser un artista?

Los Ángeles es mi hogar. Personalmente, es un sitio muy importante para mí. Ahí están mi familia, mis amigos, es una ciudad que tiene muchas cosas que ofrecer. Es difícil describir la magia de este lugar en palabras. Siempre lo ha sido y por eso tiene una mala reputación en muchos sentidos. Musicalmente, este sitio es una inspiración enorme. Mucho talento ha gravitado desde aquí a largo y ancho de todo el mundo.

Fuiste partícipe a la hora de plantar las semillas de la escena beat revival de Los Ángeles a finales de la década pasada y también has sido testigo de su evolución.  ¿Cómo han cambiado las cosas en ese sentido en Los Ángeles durante los últimos años? Me parece como si hubiésemos llegado en 2009 a una cúspide colectiva a partir de esa idea de escena y sonido, y mucha de la innovación y experimentación que nos condujo hasta aquí se ha evaporado rápidamente. ¿Qué es para ti, si es que lo hay, lo excitante ahora mismo en ese frente? Por ejemplo, he descubierto que, bastante irónicamente, lo que más me gusta en los últimos años es la reaparición de los MCs utilizando la producción de beatmakers de nueva escuela, o incluso MCs rapeando sobre beats que nunca se suponía que debían tener rimas sobre ellos y apropiándose de ellos. Me dijiste en 2009 que era un factor muy importante en Los Ángeles, el sentimiento de “jodéos MCs, sólo quiero hacer beats”, así que me parece interesante que hayamos vuelto a través en un círculo completo en cierto sentido.

Estoy de acuerdo en que mucha innovación y experimentación se ha ralentizado. Las cosas están demasiado apegadas a un patrón en muchos sentidos. Pero si miras a lo largo de toda la historia de la música, siempre ha pasado. Un nuevo género o estilo evoluciona a partir de la evolución y luego se establece en una especie de rutina. Pasó con el rock, el soul, el hip hop, el disco, el drum’n’bass y básicamente toda la música. Lo que parece que ocurre es que mucha gente que entró en esto cuando estaba de moda finalmente se marcha después de unos años, y los verdaderos artistas continúan y evolucionan su sonido hacia un nuevo nivel.

Estoy de acuerdo contigo en que en los últimos tiempos la reaparición de MCs y vocalistas se ha vuelto a poner de moda. Lo percibo yo también. Creo que tiene que ver con el hecho de que todo esto de los “beats instrumentales” ha completado un ciclo. La escena de beats hizo su trabajo al inspirar a los compositores a dar con nuevas maneras y destacar. Creo que es genial y me encanta lo que escucho.

Pronto vienes a Europa de gira, así que, ¿cuáles son tus tres sitios preferidos del Viejo Continente y por qué?

Esa es una pregunta difícil. Siento mucho amor por Europa y Reino Unido. Nací en París y me mudé a Los Ángeles cuando tenía cinco años. Así que siempre me encanta volver a París y Francia. Es fascinante para mí descubrir partes de mí mismo a través de mi país natal y la cultura que dejé a una edad muy temprana.

También me encanta Viena. Una ciudad genial, con una arquitectura, estilo y gente estupenda. Cuando estoy ahí no siento que esté en Europa Occidental. Parece como un sitio que está atrapado en la forma de vida de Europa Occidental y Oriental.

Por último, Alemania está tan avanzada en muchos sentidos que me gusta mucho. Siempre que actuó en Alemania, la respuesta es genial. Es un país inmenso con muchas ciudades grandes distintas y todas tienen algo que ofrecer. La historia ahí es profunda y lo puedes sentir en el aire.