Playground magazine

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Se está cociendo algo en la costa oeste de Estados Unidos. Es algo que se puede encontrar en los últimos veinte y muchos años de música, tanto en la popular como en la undeground, que van del grunge al g-funk, y del turntablism al hyphy. La Bay Area de San Francisco es un lugar caliente muy particular, y a lo largo de la última década ha sido un punto de incubación para una generación fascinante de productores de música electrónica. Bajo la influencia de la edad dorada de la IDM, a la vez que de las mutaciones de la música hardcore de Gran Bretaña, los músicos de la bahía han venido perfeccionando su propia mezcla de estas influencias, empujados por una devoción profunda por la estética de los sound systems de bajos generosos y por una ética del hip hop que se encuentra en la ciencia del sample que se practica en este género, así como en su filosofía temprana de hacer lo que quieras y una tendencia a construir temas fuertes para clubes en los que se licúa el sudor.

Esta huella se puede rastrear hasta los días del asombroso debut de edIT para el sello Planet Mu, en 2004, que a su vez animó la formación de The Glitch Mob y del club Low End Theory, y que nos lleva hasta el colectivo Frite Nite de San Francisco –en el que encontramos a Salva, Epcot, Comma, Eprom y NastyNasty–, que es hasta ahora su máxima expresión. Es un sonido que ha ido evolucionando a lo largo de los años, por supuesto, catalizado por la evolución acelerada de la tecnología que hizo posible que esto sucediera, y aún así el sonido sigue siendo distintivo de la costa oeste. Allí donde la música de Gran Bretaña mantiene todavía un filo duro –por ejemplo, en el jungle, en el primer dubstep y en el hardcore–, los productores de la costa oeste absorbieron esa crudeza y luego le añadieron aquello que América sabe hacer mejor: reprocesarla en una versión más luminosa y potente. Habrá a quien esto le parezca que no tiene ninguna importancia, como si fuera un blockbuster de Hollywood adaptado a partir de una comedia francesa de bajo presupuesto, pero eso no significa que no haya ni valor ni potencial en ello. En este caso la música quizá sea una versión más nítida de varios géneros conocidos a los que se les ha otorgado mayor potencial y más atractivo para llegar a un público más amplio, pero eso no implica que haya desaparecido ese elemento vagamente lunático que ya existía en la primera versión. Es una idea que ha venido rondando durante bastante tiempo y que ha acabado cobrando forma de manera decente en algunos movimientos populistas del hip hop y de la música electrónica (por ejemplo, las legendarias fiestas Turbo Crunk de Megasoid en MTL, que consistirían en un ejemplo histórico importante y alejado de la costa oeste).

Cuando escuché el trabajo de Eprom por primera vez –y que es el protagonista de la entrevista y el mix de hoy, en la que nos desgranará sus influencias tempranas–, supe de manera instantánea que se amoldaba como un guante a esa escuela. Tiene algo de hip hop, derivado de su mismo ADN, pero a la vez es hardcore y rave. Esto es lo que da forma a un extraño contraste que, combinado con la manera de construir la música, otorga a las producciones de Eprom un elemento entretenido que se disfruta muy bien en el club. Después de algunos años yendo de sello en sello –lo que le ha llevado a Warp y Leisure System–, ahora Eprom lanza su nuevo álbum, “Metahuman”, en la discográfica holandesa Rwina. Inspirado en lo que sería el siguiente paso evolutivo del hombre, el álbum es un movimiento inteligente por parte de un productor que se ha especializado precisamente en eso. Lo que más me sorprendió de la música de “Metahuman”, más allá de esa cualidad única de la costa oeste a la que me refería antes, consistente en la mezcla de una amplia variedad de estéticas, es la idea de partida, consistente en imaginar mundos futuros –los trabajos de Moebius fueron una influencia muy poderosa–, diseñados en el presente y consumidos también en el presente, para de esta manera reforzar la idea tan extendida de que ya no hay ninguna noción de futuro en la música actual. Que sólo existe el momento. Me encontré con una cita de Burroughs la noche antes de verle en directo el pasado mes (y presento mis respetos por ello a Joe Muggs) que dice algo así como “si abres el presente en canal, lo que brotará es la sangre del futuro”. Y básicamente eso es: la música de Eprom es como el futuro sangrando en el presente, salpicando a todo el público con latigazos de bombos gordos y melodías siderales.

En esta nueva entrega de los PlayGround Mix dirigimos unas cuantas preguntas a Eprom sobre su nuevo álbum, su inspiración y su proceso creativo, sobre la dicotomía lento/rápido y su idea sobre la existencia (o no) de una estética musical propia de la costa oeste. A modo de guía, también ha compuesto un mix centrado en sus influencias y sus inspiraciones, para mostrar aquí en qué clase de mundo extraño y maravilloso habita.

En los últimos años has publicado música en diversos sellos. ¿Qué es lo que te atrajo de Rwina para lanzar ahí tu álbum de debut?

En Rwina estaban predispuestos a lanzar música muy espectral, muy mutante, intensamente retorcida, lo más retorcido que yo pudiera crear. Buscan siempre cosas reales. Me animan a que haga la música lo más jodida posible, que es el tipo de bucle de retroalimentación que me ayuda a crear mi mierda más potente.

La primera vez que hablamos sobre “Metahuman” mencionaste a Moebius y la “ciencia ficción psicodélica como influencia”, al mismo tiempo que considerabas el álbum como el siguiente paso en la evolución humana. ¿Podrías extenderte un poco más sobre este particular? ¿Cómo encaja tu música en esta idea, cómo es una declaración sobre esa evolución potencial y cómo ha encajado esa inspiración en el proceso creativo?

Creo que toda la buena ciencia-ficción es psicodélica en su sentido más clásico, los mecanismos internos de la mente humana se exhiben para que nosotros podamos manipular e investigar. No es psicodélico en un sentido visual, con la parafernalia psicodélica que hemos asociado a esa palabra: osos bailando, lámparas ultravioleta, flashes de luz o incluso ciertas drogas. La psicodelia para mí siempre ha significado fundamentalmente cuestionarnos nuestro propio sentido del yo. Por eso creo que la ciencia ficción es importante, porque nos permite expandir la psique humana hacia situaciones imposibles e imaginarnos cómo nos podríamos adaptar. Así que si mi música no es necesariamente ‘psicodélica’ para alguien, en el sentido de tener sonidos familiares que uno asocia con géneros psicodélicos musicales como el rock psicodélico, el psytrance, etcétera, es porque es psicodélica en un sentido diferente.

Desgraciadamente, Moebius falleció recientemente. Para alguien que no esté familiarizado con su extenso trabajo, ¿qué obras le recomendarías?

Mientras hacía el álbum leía “Incal”, que tiene una extrañeza típicamente francesa, es muy guay. También soy un gran fan de “Arzach”, que consigue muchísimo a través de la narración visual. Quise intentar conseguir algo similar con la música, que generalmente no tiene palabras. Hay algunos fragmentos con voces, pero sólo ocasionalmente, no son más que partes de palabras. Prefiero que sean ininteligibles para forzar al oyente a centrarse en el aspecto sonoro del sonido vocal, en lugar del contento lírico.

Volviendo a “Metahuman”, el álbum continúa el camino de tu trabajo anterior y lo solidifica. ¿Qué enfoque le diste para completarlo y escribir su música?

He trabajado en este álbum durante unos años. No me di cuenta de que se iba a convertir en un álbum hasta hace más o menos un año, cuando vi todas las pistas y me di cuenta que encajaban.

¿Fue el tracklisting un proceso fácil? En ese sentido, el álbum fluye bastante bien, algo que no siempre es fácil con material pensado para la pista de baile.

Se lo iba pasando una y otra vez a Akkachar de Rwina, y él me ayudó mucho a la hora de organizar el tracklist. Sé cómo programar un directo, pero un álbum es algo distinto, porque quieres tener estas ondulaciones de intensidad, con picos y valles en una escala fractal. Un directo es más sobre hacer una lenta progresión lineal, mientras que un álbum pide mayor complejidad.

También me dijiste una vez que tu objetivo era conseguir un sentido de extrañeza alienígena en la música a la vez que se mantenían unas cualidades humanas y orgánicas. ¿Cómo lo hiciste para conseguir esto y cómo crees que ha quedado en última instancia en el producto final?

Trato de crear unos sonidos lo más alienígenas posibles y luego tocar melodías humanas por encima de ellos. Hay referencias al rap, al 2step y al hardcore, lo que ancla al álbum en la música de baile, pero siempre quiero que sea un poco extraño.

La música que haces (y la que hacen otros productores afiliados a ti, como NastyNasty, Comma o Salva) me suenan bastante distintivas de la costa oeste. Con esto quiero decir que parece que existe un hilo conductor en vuestro trabajo colectivo en el que sonidos, estilos e influencias provenientes del Reino Unido y Europa (drum’n’bass, garage, dubstep y otras mutaciones hardcore de los últimos diez años) son asimiladas y re-emergen con un giro americano distintivo, concretamente asociado a los productores de la costa oeste. Está la vertiente subterránea del hip hop, que siempre se fina en el ritmo o las melodías, una versión refinada de la idea de música con muchas frecuencias graves para grandes sound systems, con una energía que funciona bien en directos y DJ sets. ¿Cómo lo ves desde tu punto de vista?

Definitivamente, estoy de acuerdo con la idea. Puedo captar lo que comentas. Veo a muchos productores de la costa oeste reformulando sonidos rave y llevándoselos a su terreno todo el tiempo. Incluso cuando hago temas que no están basados en samples, como “Feldspar”, por ejemplo, que es algo así como una caricatura del dubstep, o “Pipe Dream”, siempre tengo la mentalidad de darle la vuelta a algo, como samplear sin samplear. Construir ideas o estructuras musicales y re-imaginarlas para propósitos oscuros. Como el flip de Green Velvet de Salva, en el que coge un estándar rave y lo transforma hasta convertirlo en algo realmente enfermo y retorcido. Creo que esta mentalidad viene tanto del primer hip hop como del hardcore primigenio. Es viral, no está atado a ningún hemisferio. Todos re-ordenamos fragmentos de la música de cada uno.

Has hablado sobre la variedad de bpms y estilos musicales en tus sets, de cómo pasas de 70bpm a las velocidades características de mediados de los 90s, tanto doblando como reduciendo a la mitad los tempos normales. ¿Qué es lo que te atrae de esta manera de pinchar basada en el contraste ente lentitud y rapidez?

Me gusta el modo en que generan intensidad esos tempos, y la corporalidad que desprenden. Me gusta bailar, y me gusta saltar como un loco durante mis sets y ese espectro de bpms se corresponde directamente con las pulsaciones del corazón. Si bailas conmigo, tu corazón debería estar sincronizado con los bpms.

En relación a eso, ¿por qué crees que esa manera de mezclar es más popular ahora en relación a los últimos diez años, en los que la nota dominante era que tanto los DJs como los directos se aferraran a un estilo y bpms determinados a lo largo de todo el set? Esto era habitual en fiestas en las que sonaba el mismo tipo de música toda la noche (al menos en el Reino Unido y Europa), por ejemplo una noche drum'n'bass, o una noche garage, o una noche dubstep.

Creo que el cambio ha venido motivado por el ascenso de la cultura de internet y el fomento de la variedad musical. La gente me dice que “se aburren” con los mismos bpm todo el rato. Personalmente me encantan las noches dubstep o las noches techno, pero sé que mucha gente joven no lo pilla. Pero en definitiva creo que cambiar de bpms y estilos es más interesante, y nos retrotrae a las raíces del hardcore e incluso a las de la música en directo antes de que todos estos géneros existieran.

Finalmente, ¿qué viene después de “Metahuman”? ¿Cuál es el siguiente paso de la evolución artística de Eprom? ¿O es demasiado pronto para decirlo?

Ya tengo un par de nuevos lanzamientos de Eprom en el horizonte, pero no puedo hablar sobre ellos aún. Mi colaboración con Boreta como Nasty Ways está despegando, ahora mismo estamos trabajando en nuestro primer lanzamiento conjunto, estoy muy ilusionado con ello.