Playground magazine

A pesar de que la actual posición de Soul Clap en el circuito del baile internacional tiene mucho de envidiable, el ascenso del dúo formado por Charles Levine y Eli Goldstein no ha sido precisamente un camino de rosas. Y es que aunque ahora uno tenga la sensación de que cualquier lugar en el que pinchen se convierte automáticamente en un festín de hedonismo en el que las féminas se abandonan al dictado sensual de sus grooves a medio gas, Levine y Goldstein tuvieron que picar mucha piedra. Incluso, para poder sobrevivir y llevar hacia adelante sus carreras como DJs y productores tuvieron que, tal y como explican en esta entrevista, crear una consultoría musical en Boston y satisfacer la demanda de clientes que poco tenían que ver con sus gustos. Debió resultar duro para dos diggers insaciables de gusto exquisito, pero sin duda ha valido la pena. Ahora, con más de una década de carrera sus espaldas, son reclamados por clubes y festivales alrededor del globo y han dejado huella en el house contemporáneo con su inconfundible sonido, basado en el mantra EFUNK (Everybody's Freaky Under Natures Kingdom).

Un lema que ahora han convertido en el título de su álbum de debut, en el que esquivan la funcionalidad dancefloor para buscar una “verdadera experiencia de álbum clásico”. Para ello se sumergieron en sus discos favoritos de todos los tiempos (de Parliament a Fleetwood Mac pasando por Daft Punk o A Tribe Called Quest) con el objetivo de que estas raíces florecieran bajo su propia luz. Aunque el resultado pueda pillar a contrapié a los seguidores de su faceta más clubber, el trabajo los reafirma como alquimistas de la sofistificación con conocimiento de causa y debería abrirles las puertas a audiencias más allá de los devotos fiesteros. Coincidiendo con su lanzamiento, charlamos con ellos sobre, entre otras cosas, el proceso de creación del disco, su manera de entender las sesiones y el estado actual de la música de baile underground en Estados Unidos. Además, comparten con nosotros un extracto de su sesión de ocho horas en el legendario club Eleven de Tokio.

¿Cómo os conocisteis en primer lugar y cuando empezasteis a trabajar juntos?

Nos conocimos en el párking de una rave en Connecticut en los 90s. Íbamos al instituto y ya pinchábamos esporádicamente. Un día nos programaron a los dos para abrir para Joey Beltram en Washington DC, y como sólo teníamos una hora tuvimos que pinchar juntos y en ese momento ¡BLAM! Soul Clap había nacido.

Vuestro sonido actual es, en términos generales, una mezcla de los espectros disco y deep house, pero tengo la impresión de que vuestros gustos son muy diversos. ¿Cuáles fueron vuestras primeras inclinaciones musicales?

Cuando éramos niños para Eli fue el jazz y para Charlie el funk.

Acabáis de editar vuestro álbum de debut. ¿Cuáles fueron los puntos de partida en términos sonoros?

Recuperamos y volvimos a escuchar nuestros LPs favoritos de todos los tiempos, para imbuirnos del poder de crear una verdadera experiencia de álbum clásico. Álbumes como “Midnight Marauders” (A Tribe Called Quest), “Timeless” (Goldie), “Homework” (Daft Punk), “Tales Of Kid Funkadelic” (Parliament), “Dewdrops In the Garden” (Dee-Lite), “Dirty Mind” (Prince) y “Tango In The Night” (Fleetwood Mac).

¿Ha sido muy distinto el proceso de creación del álbum en comparación con vuestro trabajo en los EPs? ¿Cómo lo planteasteis, empezando de cero y proyectando todos los cortes en relación a una idea global, o fue más un caso de recolectar canciones que habías venido produciendo en un determinado espacio de tiempo?

Tardamos un año desde que pensamos en escribir el álbum hasta que empezamos a hacerlo, pero al final la mayor parte del disco fue compuesta en un periodo de dos meses. Partimos de la idea de que un álbum debería poderse escuchar de principio a fin y caber en un solo vinilo de 12”, así que escribimos mucha música de golpe y luego la juntamos en un álbum coherente.

¿Cuál diríais es la principal idea detrás del álbum?

Nuestro mantra EFUNK, “Everybody's Freaky Under Nature's Kingdom”.

¿Cómo soléis trabajar en el estudio? ¿Seguís un mismo patrón o preferís improvisar hasta que salta la chispa?

Definitivamente, preferimos la improvisación. Algo muy colaborativo y espontáneo.

¿Podríais describir la configuración de vuestro estudio? Aunque soléis samplear mucho imagino que también usáis algunos sintes. ¿Tenéis sintes hardware o sólo software?

El estudio siempre cambia. Usamos Ableton Live como el centro de todo y muchos sintes soft para poder seguir produciendo cuando estamos de gira. Pero durante el invierno, cuando nos instalamos en Miami, donde escribimos todo el álbum, también probamos mucho hardware distinto. Amamos el Korg MS2000, el Roland SH-101 y nuestra arma secreta, ¡el Simmons Clap Trap!

Vuestras producciones y DJ sets fueron uno de los primeros instigadores del proceso de reducción de BPMs en la música house contemporánea. ¿Qué fue lo que os motivó a seguir ese camino?

Al principio quisimos desacelerar las cosas porque sentíamos que hacía la música mucho más sexy. Como la fábula de la tortuga y la liebre, pero imaginando que una tortuga funky, lenta y sexy gana la carrera. Ahora nos hemos dado cuenta de que, como hacían nuestros DJs predecesores, Larry Levan, Frankie Knuckles, Ron Hardy y demás, realmente se trata de mezclar una amplia variedad de tempos para pintar el cuadro de una noche memorable.

Boston es conocida por muchas cosas, pero probablemente la música de baile underground no es una de ellas. ¿Cómo fue crecer ahí para dos freaks de la música de baile? ¿Tuvisteis referencias o influencias en la ciudad? ¿Cuál es el estado actual de la escena ahí?

A pesar de lo que pueda parecer, Boston fue un semillero para la música de baile en los tiempos de la era disco, hasta que a finales de los 90s llegó el alcalde Menino, que ha regido la ciudad con mano de hierro y ha acabado con cualquier atisbo de diversión. Tuvimos suerte de pillar el final de la escena rave en Chinatown (que solía ser el barrio rojo antes de que Menino lo limpiara), y ahí había fiestas locas en lofts que duraban toda la noche.

También habéis sido promotores de eventos y noches de club en Boston. Teniendo esta visión panorámica, ¿cómo veis el actual estado de la escena de la música de baile en Estados Unidos? ¿Cuáles serían las principales diferencias con Europa? Tengo la sensación de que ahí la cosa está muy polarizada, en el sentido de que tienes los grandes super-clubs comerciales o pequeños bares underground, pero ningún término medio, ¿estáis de acuerdo?

Sí, está totalmente polarizado. Ahora DJs como Skrillex y Kaskade son literalmente las nuevas rockstars en America. Aunque la música disco, el house y el techno surgieron de Estados Unidos hizo falta llevar la música electrónica hacia los parámetros de los conciertos para asegurar que fuese aceptada por la masa, el gobierno y la policía. Estos shows no tienen que ver con el sentimiento del baile comunitario, como ocurre en Europa, sino que ahora es más estar ahí de pie y observar y ondear los brazos en el aire como en un concierto de rock. Esto es lo que entienden los americanos. Aún así, hay una gran escena underground, con muchísima gente organizando fiestas increíbles y poniendo mucha energía en hacer buena música y montar fiestas especiales.

¿Cómo surgió vuestra conexión con Wolf + Lamb? ¿Cómo establecisteis contacto en primer lugar y cuáles fueron las ideas compartidas que reforzaron el vínculo?

Les conocimos cuando fuimos a parar a un after en su legendario Marcy Hotel, que está en Williamsburg, Brooklyn. Intercambiamos algo de música y empezamos a hablar regularmente a través de Skype y conectamos inmediatamente. Tenemos muchísimo en común, ambos somos dúos, ambos creemos que la música es lo primero y en trabajar realmente duro para ser distintos. A lo largo de los tres últimos años nos hemos convertido en una unidad, viviendo juntos, trabajando juntos y girando juntos lo máximo posible.

Vuestro proyecto incluye, igual que ocurre con Wolf+Lamb, diversas ramificaciones más allá de pinchar o producir: por ejemplo, vuestra consultoría musical. ¿Creéis que hoy en día estas actividades más orientadas al negocio son importantes para ser capaces de desarrollar una carrera sólida en la industria?

Hicimos lo de la consultoría porque era la única manera de sobrevivir en Boston. El único trabajo que teníamos ambos era pinchar, pero para sobrevivir en Boston teníamos que pinchar toda clase de música y trabajar para todo tipo de clientes. ¡Ahora somos afortunados porque sólo hacemos y pinchamos lo que queremos!

Durante el pasado Sonar asistí a una increíble sesión vuestra en la tienda Discos Paradiso de Barcelona donde solo pinchasteis con vinilos a 45 rpms. ¿Sois grandes coleccionistas de vinilo? ¿Seguís comprando discos hoy en día?

¡Sí! Amamos el vinilo y lo seguiremos amando por todos los tiempos. Cada vez que estamos en una ciudad con una buena tienda de discos (como Discos Paradiso en Barcelona) nos pasamos horas diggeando en busca de nuevos y viejos vinilos. Ambos seguimos viajando con una caja de 12” y Eli siempre lleva consigo su bolsa de 45’s de Phonica Records. Amamos tanto el vinilo que escribimos el álbum pensando en que cupiera en un solo 12”, ya que creemos que es la mejor manera de escucharlo.

En relación con eso, he leído que hace años pinchábais con Traktor pero que volvisteis al vinilo y los CDs. ¿Que motivó este cambio? ¿Creéis que el tipo de equipamiento que se usa para pinchar acaba influyendo en los sets?

Nunca hemos usado Traktor. Cuando pinchábamos música ecléctica en Boston, Serato era genial porque podíamos tener un montón de música al alcance de nuestros dedos todo el tiempo, pero ahora realmente intentamos limitar nuestra selección. Cada mes o así renovamos la maleta de vinilos y nos familiarizamos con los discos durante un tiempo. También nos encantan los nuevos CDJ20000 porque ya no tenemos que grabar CDs de música nueva antes de cada bolo, podemos enchufar un USB directamente.

¿Cómo y cuándo fue grabado el mix?

El mix es la cuarta parte de nuestro set de 8 horas en el Club Eleven de Tokio. Eleven solía ser el legendario Yellow (¡Larry Levan pinchó en la inauguración!), así que fue un set muy significativo para nosotros. La cabina de DJ y el sound sytem son increíbles y pudimos utilizar el clásico rotary mixes de Urei con el increíble aislante de EQ, además de una unidad de efectos Pioneer EFX1000 además de dos platos y tres CDJ2000s, así que ambos podíamos estar participando todo el tiempo. ¡Fue una de las mejores noches de nuestras vidas, así que estamos felices de compartirla con el mundo!

¿Cuáles son vuestros planes de futuro inmediato?

Esparciremos el EFUNK alrededor del mundo este verano y luego queremos poner en marcha nuestro sello en otoño.