Playground magazine

Teengirl Fantasy son una de las propuestas más estimulantes de la música electrónica contemporánea, y una de las más valientes. Pudimos comprobarlo en el directo que ofrecieron una horas después de mantener esta charla en la sala Razzmatazz. Armados con sintetizadores, cajas de ritmo, samplers y procesadores de efectos, tocan su música sin red, alcanzando cotas de intensidad

difíciles de experimentar en los shows electrónicos actuales, la mayoría de ellos sujetos a la dictadura del pre-grabado. En el estudio se transforman en magos del escapismo sintético, tejiendo atmósferas de tristeza eufórica a base de estructuras en constante evolución y texturas exuberantes en las que sobresale su magistral dominio del equilibrio entre melancolía y hedonismo. Después de darse a conocer en 2010 de la mano del magnífico “7AM”, acaban de publicar ahora “Tracer” (R&S Records, 2012). En él, se olvidan de samples para construir una evocadora epopeya sintetizada en la que resuenan ecos del Detroit más soñador a la vez que mantienen su inconfundible perspectiva. Así pues, hablamos con Nick Weiss y Logan Takahashi sobre, entre otras cosas, su querencia por la improvisación, el sueño hecho realidad que representa trabajar con Romanthony y el significado simbólico de publicar en R&S.

Os conocisteis en el Oberlin College. ¿Cómo entrasteis en contacto y que os llevó a empezar a hacer música juntos?

Nick: Nos conocimos en los primeros días de la universidad un poco por casualidad. Estábamos en el mismo programa y nos conocimos durante las jornadas de orientación. Desde el primer momento empezamos a hablar de música, descubrimos que ambos nos habíamos traído aparatos para hacer música y dijimos “deberíamos improvisar juntos” y eso es lo que hicimos en el sótano de nuestras habitaciones, sin ningún propósito de formar una banda ni nada.

Logan: Originalmente éramos tres, empezamos tocando con otro chico...

¿Y qué pasó con él?

L: Íbamos a tocar nuestro primer concierto y en el último minuto decidió que no lo haría.

N: Nos dijo algo así como “veo que entre vosotros dos tenéis algo especial”. La cuestión es que grabamos algunas canciones en las que habíamos trabajado para esa fiesta y las colgamos online. Y así empezó todo. Fue algo muy espontáneo.

Hay un montón de bandas que han salido del Oberlin College. ¿Qué creéis que tiene de especial que hace que surjan tantos proyectos musicales de ahí?

L: Tiene un gran conservatorio. Siempre hay muchos músicos estudiando en el colegio, mucha gente interesante en general. Y también está un poco en medio de la nada, perdido entre campos de trigo, así que no hay muchas cosas que hacer. Tienes que crearte tus propios eventos culturales.

N: El hecho de tener el conservatorio integrado en el colegio es muy importante. Más allá de que muchos miembros de bandas han estudiado ahí, hace que puedas asistir constantemente a recitales de compañeros, tanto de música clásica como de gente que estudia música electrónica. Eso hace que la inspiración flote en el ambiente.

¿También pasasteis una temporada en Ámsterdam, no?

N: Sí, fueron solo 3 meses de intercambio, estuvo genial. En principio fuimos a estudiar pero la realidad es que no tuvimos clases [risas]. Te asignaban un mentor, artistas, gente que vive de ello, y en vez de hacer clases, te daban consejos y compartían su experiencia.

Hablemos del nuevo álbum. Desde las primeras escuchas me ha parecido un disco mucho más denso y sofisticado que el primero. ¿Cuál fue vuestro punto de partida?

L: Empezamos a trabajar en un grupo de canciones alrededor de la primavera de 2011, las primeras fueron “Timeline”, “Motif” y la canción que acabó siendo “Pyjama”. Desde el primer momento lo escribimos todo con nuestros aparatos. A diferencia del anterior en el que muchas veces empezábamos con un sample, esta vez escribíamos las melodías nosotros mismos. Esta es una de las mayores diferencias entre ambos discos.

Eso hace que el sonido sea mucho más sintético.

N: Si, en “7AM” había bastantes samples de sonidos orgánicos pero esta vez es puramente sintético, aparte de los vocalistas, claro. Y en referencia a la densidad del sonido creo que es porque empezamos a utilizar diversos sintes digitales que tienen una gama de sonidos mucho mayor que los analógicos, lo que te permite mucho más juego a la hora de añadir elementos y superponer capas. También pasamos mucho más tiempo trabajando en las canciones, y nos centramos mucho más en la edición, trabajando las canciones por partes, para que tuvieran mucha dinámica.

Las estructuras que usáis en este disco me tienen fascinado. Tienen el punto hipnótico de la música de baile pero a la vez son muy fragmentadas. ¿Cómo soléis construir los tracks?

L: Muchas de las ideas iniciales vienen de improvisar en directo, muchas veces empezamos con uno o dos loops, pero esta vez definitivamente hemos pasado mucho tiempo editándolas con el ordenador, automatizando cosas. Además esta vez hemos podido tocar las canciones en directo a media que las íbamos grabando y esto nos dio la oportunidad de ir viendo lo que funcionaba o no en términos de estructura.

N: Realmente nunca pensamos en plan “necesitamos un ritmo, una línea de bajo, melodía”, sino que solemos trabajar a partir de capas y capas de secuencias y las vamos amoldando unas con otras. Aunque evidentemente usamos elementos que se repiten constantemente, no queremos sonar “loopy” sino que nos gusta retorcer los sonidos constantemente, ya sea con los parámetros de los sintes o con efectos, para que vayan mutando en cada compás. Y eso hace que suene suelto y fluido, orgánico.

Otra de las diferencias que encuentro con el anterior es que este funciona mucho más como una unidad. Que fluye como una sola pieza.

L: Oh, sí, me gusta que digas esto porque era una de nuestros principales objetivos. Pasamos mucho tiempo pensando en la secuenciación del disco. Con el primero ya lo hicimos pero esta vez ha sido muy importante.

Las atmósferas de vuestras canciones son muy particulares. Me gustaría saber si es uno de los aspectos al que le dais más importancia y, por otro lado, de donde sacáis la inspiración para crear este tipo de feeling.

N: Es difícil decir de dónde viene la inspiración. Creo que en algunas de nuestras primeras canciones puedes sentir que estábamos encerrados en un sótano frío, aislados en Ohio, rodeados de nieve. Algunas de las canciones del nuevo disco también fueron escritas ahí pero hay otras que las compusimos en Nueva York, en verano, con un calor infernal en un almacén muy mal ventilado. Creo que esta sensación de sofoco y humedad se puede percibir en algunos de los tracks. Pero no todo es el ambiente en el que estamos, es difícil de decir.

L: Definitivamente pensamos en un tipo de universo sonoro para cada canción. Creo que siempre hemos tenido estas atmósferas como melancólicas, a veces muy emocionales. Es algo con lo que nos identificamos los dos.

Creo que ese tipo de combinación entre exuberancia y melancolía es una de las cosas que más me gustan de la música electrónica.

Ambos: Este tipo de tracks son los mejores.

L: También nos gustan mucho cosas como The Orb y The KLF, o el “Selected Ambient Works” de Aphex Twin. Seguro que nos han influenciado.

N: Muchas de las mejores producciones de Detroit, Derrick May por ejemplo, son muy tristes. “Strings Of Life”, por ejemplo, es vigorizante pero también es muy oscura, y ese tipo de sentimiento nos inspira muchísimo. Hay mucha música de baile que simplemente transmite energía desatada, y es una sensación que está muy bien y es divertida, pero creo que incluso te dejas llevar más cuando algo te llega a rincones más oscuros, quizá porque es fácil identificarse con ello, es más natural; es complicado estar contento todo el rato, incluso cuando estás de fiesta. Creo que nuestra música transmite un poco esto.

Ahora que mencionáis Detroit, de hecho el nuevo disco tiene un cierto feeling a Detroit.

N: Sí, totalmente.

Para este disco habéis trabajado con muchos más vocalistas. ¿Cómo entrasteis en contacto con ellos? ¿Existía una relación previa o simplemente fue gente que contactasteis específicamente para la colaboración? ¿Cómo fue el proceso de trabajo?

L: A Laurel (Halo) la conocimos porque se mudó a donde estábamos grabando el disco, tanto ella como nosotros vivíamos ahí a la vez que trabajamos en nuestros respectivos álbumes. Ella trabajaba en la habitación de enfrente, así que empezamos a pasar tiempo juntos y en su caso fue algo muy orgánico, simplemente cruzó el pasillo un día y grabó su parte. A Panda Bear le conocimos cuando giramos con Animal Collective el pasado año, así que fue muy fácil, le mandamos la instrumental por mail y nos la devolvió con las voces. A Kelela la conocimos a través de Dean de True Panther y desde el principio conectamos muy bien, así que también fue algo muy natural. El caso de Romanthony fue el más complicado, aunque desde el principio estuvo predispuesto requirió bastantes mails de ida y vuelta.

N: Le mandamos dos de los cortes del álbum y nos devolvió demos vocales muy rápidamente, dijo que se había sentido muy inspirado por las canciones y eso nos hizo mucha ilusión. Era como un sueño que teníamos mientras hacíamos el disco, pensábamos en plan “necesitamos un vocalista de house, ¿cuál es el mejor?” Y es él. Así que fue genial que funcionara.

Los dos últimos cortes del álbum son los más orientados a la pista de baile que habéis hecho, sin contar “Cheaters”. ¿Os veis haciendo música de baile algún día?

N: Quién sabe [risas]. Sería divertido. Con el track con Romanthony, por ejemplo, procuramos que tuviese una buena intro, para que fuese fácil de pinchar. Pero es difícil sentarse y escribir una canción pensando en plan “esto tiene que ser así”. Quizá si alguien nos hiciese un encargo...

L: Quizá si nos alguien diese un millón de dólares... [Risas]

N: No, la verdad es que sería guay hacer un single de baile para R&S algún día.