Playground magazine

Editados con tan solo unos pocos meses de separación, “Tragedy” y “Ekstasis” forman parte de un único impulso creativo. Por eso lo más útil es hablar sobre los dos a la vez, o al menos tener presente ambos aún si nos estamos centrando en uno de ellos, pues la escucha de uno siempre está influenciada por el recuerdo del otro. Aunque “Ekstasis” está más orientado al pop y “Tragedy” es más experimental, podemos encontrarnos con más elementos experimentales en el primero y pop en el segundo de los que las primeras escuchas pueden sugerir. Es como si uno fuese el reverso del otro, y por este motivo entre otros suponen una de las propuestas sonoras más interesantes, sólidas y atractivas publicadas recientemente, además de reforzar a la arruinada California como uno de los focos de creatividad más interesantes de los últimos años, si consideramos que la música de Julia Holter tiene muchos puntos en común con la de Ariel Pink y John Maus. Nota a tener muy en cuenta: los tres fueron alumnos del California Institute of the Arts. Otra nota también a tener muy en cuenta: este fin de semana la tenemos en directo por España en tres fechas de su Summer Tour: Barcelona el viernes 22 (sala Sidecar), Madrid el sábado 23 (Café Teatro, dentro del programa del Día de la Música, y en Vigo el domingo 24, en el festival Sinsal).

A pesar de ser en buena medida discos complementarios, la mayor diferencia, según la propia Holter es “que ‘Ekstasis’ es una colección de canciones mientras que ‘Tragedy’ es casi como una única pista en mi cabeza, un proyecto continuo. Los escribí al mismo tiempo, creo que usé un programa que no es muy bueno para empezar “Tragedy”, que se llama Audacity, pero la mayoría de las canciones las acabé pasando a Logic”. Quizás la mayor cercanía de “Ekstasis” a estructuras pop fácilmente reconocibles ha facilitado su rápida asimilación por parte de un público más amplio, aunque lo cierto es que parte del encanto de sus dos discos parece derivarse de la tensión variable entre controlar y liberar el control que Holter ejerce sobre su propia música, y de la que surgen los momentos más interesantes en ambos discos, aunque ella puntualiza lo siguiente: “Espero no controlar mi música nunca, pero sí que le doy forma. Entiendo la idea de liberar el poder como una liberación de energía –un proceso exotérmico– que es lo que debería ocurrir, sin importar si se trata de una pieza compuesta en su totalidad o una improvisación. Espero que incluso si estuviese planeada habría un proceso exotérmico, el cual no requeriría liberar energía extra, sino que estallaría. Hay muchos momentos que no son de esta manera –es lo que implica darle forma, creo–, pero la idea principal es que no hago una distinción enorme entre mis cosas más libres y mis canciones más cortas”.

Quizás porque no establece esta distinción, lo más valioso de este disco es cómo Julia Holter juega continuamente con la estructura clásica de un tema pop, haciendo que la escucha resulte imprevisible, como si una canción de pop fuese en sus manos algo elástico en el que una melodía se ve interrumpida por líneas de fuga improvisadas de modo que en ocasiones resulta difícil determinar cuánto de composición y cuánto de improvisación ha habido en el proceso. En realidad, parece como si Holter manejase con igual habilidad pop y experimentación, sin distinguir fronteras entre ambas, combinando elementos en sus composiciones de manera fluida, sin que en absoluto se distinga la frontera entre una y otra. La experimentación es, en su caso,  “la esencia, totalmente vital”. Ella misma niega que su intención al empezar a componer sea que el resultado tenga una forma más o menos parecida a una canción de pop. “No pienso en esto de ese modo, de lo contrario, dejaría de hacer música. No puedo tomar decisiones precipitadas sobre la forma de hacer canciones. Definirlo de esa manera tan determinada es lo que lo mataría para mí”. En cuanto a el proceso de composición, dice que “siempre depende, recientemente me he dado cuenta de que toco al piano, escribiendo armonías espontáneamente combinándolas con melodías cantadas”.

En lo que llevamos de 2012, un buen puñado de los mejores discos está siendo firmados por mujeres. Holter sostiene que, conscientemente, no está proyectando su género en su música, y en cuanto a posibles puntos de conexión entre su sonido y el de otras artistas contemporáneas femeninas, dice no estar segura de que los haya: “Supongo que en cierto modo sí, las mujeres comparten ‘ciertas’ cosas en común, pero para mí es difícil decir si, porque tengo un útero y una amiga mía también lo tiene, entonces a las dos nos gusta cantar melodías vocales etéreas. Quiero decir que no es que compartamos un gen, al menos no hasta donde yo sé. En cualquier caso, me interesan estas cuestiones aunque sea simplemente porque hay muchas mujeres haciendo música ahora mismo, y mis motivos para que me interese tanto tienen que ver con la idea de Virginia Woolf según la cual la voz de las escritoras femeninas tiene que ser tan oída como la de los hombres porque su perspectiva es diferente, y una nueva perspectiva es una contribución al mundo. O eso es lo que yo interpreto a partir de lo que ella escribe en ‘Una Habitación Propia’. Parece muy obvio y, sí, es fundamental, pero también muy profundo, creo.”