Reportajes

Erykah Badu

Extractos de su “lecture” para la RBMA

Cuando uno se acerca por primera vez a las inmediaciones de Matadero Madrid puede tener la impresión de que allí no pasa nada. Dentro del perímetro de sus muros de pasado fabril se esconde, sin embargo, uno de los centros neurálgicos de la capital en materia de creatividad y producción artística. Con un espacio de más de 140.000 metros cuadrados en conjunto, el complejo permite alojar múltiples contenidos y dar cobijo a multitud de propuestas de forma simultánea. De hecho, la presencia de la Red Bull Music Academy Madrid dentro del conjunto del Matadero puede pasar del todo desapercibida si uno no llega ya avisado de lo que allí se viene cocinando desde finales de la pasada semana: la Academy es el motor de un mes de actividad frenética en el que nombres importantes del panorama de la música de ayer y de hoy comparten conocimientos y experiencia en clases magistrales y talleres con un total de sesenta afortunados alumnos (algunos ya con experiencia y prestigio dentro de la escena electrónica, otros perfectamente desconocidos) llegados desde 34 países distintos. La Nave 15 de Matadero Madrid, hasta hora desocupada, se ha convertido en Nave de la Música para acoger las actividades de la RBMA. El aspecto espartano y desnudo de su exterior contrasta con la calidez de las instalaciones de la Academia. Situadas bajo el techo a dos aguas de la imponente nave central, el enjambre de pequeñas casetas de madera y construcciones de arquitectura efímera que dan cobijo a las distintas dependencias de la Academy (el estudio de grabación, la sala de radio, el lounge, la sala de lectures, etc.) pueden llevarte a pensar en una versión tecnificada y orientada a la creatividad musical de la aldea gala de Astérix y Obélix. Allí, una gran tienda circular cuyas paredes no son más que sacos de arena sirve de salón de campaña para disfrutar de las clases magistrales que este año estarán impartiendo, entre otros, Addison Groove, Young Guru, Carsten Nicolai (aka Alva Noto), Matias Aguayo, Tom Zé, MF Doom, Andrew Weatherall, RZA, Morton Subotnick, Pearson Sound o Daniel Lopatin. El turno ayer fue para la sacerdotisa Erykah Badu, gran dama del R&B y el neo soul contemporáneo, aunque ella se vea a sí misma como “cantante de blues”. Eothen Alapatt, alias Egon (productor, reputado crate digger en nómina de Stones Throw y capo de Now-Again Records) se ocupó de conducir con buena mano más de dos horas de charla con una Badu cálida y cercana, a años luz de esa imagen de diva mística, vanidosa y dolorosamente consciente de sí misma que muchas veces ha proyectado. La charla se centró en revisar algunos momentos claves de su carrera, aunque también hubo lugar para revelaciones (por ejemplo, ha estado colaborando con Damon Albarn, Flea y Toni Allen en varias canciones del álbum que prepara el trío) y momentos curiosos, como el ver a Badu deconstruyendo en directo con la ayuda de una mesa de mezclas con efectos una de las canciones de su álbum “Worldwide Underground” (Motown, 2003). A punto estuvimos de poder escuchar un par de adelantos del álbum en el que está trabajando con Flying Lotus, pero su mánager acabó disuadiéndola de hacerlo aludiendo a los posibles problemas legales que su filtración podría acarrear. Nos quedamos con la ganas. A modo de resumen de lo que dio de sí la lecture de la gran Erykah Badu, aquí te dejamos una compilación de sus declaraciones. A ti te toca unir los puntos. “En realidad soy hija del funk. Mis tíos escuchaban música funk la mayor parte del tiempo, y es eso de lo que yo me empapé cuando crecía. Gente como Bootsy Collins, Parliament/Funkadelic, Zapp y Roger, The Meters... No puedo acordarme de todos ahora mismo, pero en mi casa sonaba mucha música, y predominaba el funk de los setenta. Rufus & Chaka Khan, Ohio Players. Toda esa música”. “Me di cuenta de que podría dedicarme a la música de forma profesional en 1994 o 1995. Tenía un grupo con mi primo Free [Robert Bradford]. No llamábamos Erykah Free. Yo fui MC antes que cantante. Él se fue a estudiar a Chicago y yo fui a la Grambling State University. Así que me mandaba casetes por correo con beats; yo solía rapear sobre aquellos beats. Pero un buen día decidimos que debíamos escribir naciones e hicimos 'Apple Tree'. Estábamos en 1993 o 1994 y decidimos hacer canciones, porque sentíamos que a la gente le gustaban las melodías. Nunca me había considerado una vocalista. Yo era una escritora antes que una vocalista. Una letrista. Y empecé a desarrollar mi forma de cantar y mi voz. La siguiente canción que escribí fue 'On & On', a medias con Jaborn Jamal, en Dallas. Aquella fue la segunda canción que escribía en mi vida. La canté abriendo para Mobb Deep y Notorious BIG en Dallas. Y a la gente le gustó”. “Antes de empezar a cantar profesionalmente yo era artista. Mi religión es el arte. Ya fuera a través de las clases de baile, o del teatro, o de hacer vestidos de papel para muñecas... siempre estaba haciendo algo, pretendiendo que era arte. Era lo que intentaba. Hice mi primera actuación pública cuando tenía como 6 o 7 años, en una obra de teatro que hicimos en mi escuela, y disfruté de la reacción inmediata que logramos despertar en el público. La obra era una comedia. Desde entonces he estado probando diferentes cosas. Hice baile, ballet, modelaje... cualquier cosa que yo sentía que tenía que ver con el arte. Nunca aprendí a leer música, nunca me atrajo la teoría, no soy una gran bailarina. Soy una cantante, y me siento bien así. Me empecé a sentir bien cantando, y cantar se convirtió en mi terapia, y más tarde en mi trabajo”. “A lo largo de mi carrera, nunca he subestimado la capacidad del público de conectar con lo que yo he estado intentando expresar”. “La versión original de 'On & On' era muy, muy cruda. El ingeniero encargado de la mezcla fue Bob Powers. Y Bob sintió que la canción necesitaba ser mucho más limpia a nivel de sonido (…) Me alegro de que al final quedara como quedó. Porque las cosas quizás no hubieran sido como fueron si no hubiéramos hecho la canción como la hicimos (…) Elegí a Bob porque él había mezclado los discos de A Tribe Called Quest (…) Por el tipo de samples que Quest utilizaron, el oído de Bob encajaba con el sonido que ellos buscaban. Él sabe como redondear hacia arriba los bajos sin hacer que suenen agobiantes. Supo hacer que todo encontrara su lugar en la mezcla de aquellos discos, y yo buscaba sentir aquello mismo con mi música”. “A pesar del éxito de 'Baduizm' nunca sentí que fuera ninguna clase de superestrella. Cuando las cosas suceden tan rápido tú no tienes tiempo para eso. Tú no ves tus propios conciertos, no escuchas tus canciones en la radio. No eres enteramente consciente de lo que sucede. Tú simplemente lo haces, te dedicas a interpretar tu música. Pasé por muchos shows radiofónicos, me dediqué a tocar aquel álbum durante ochos meses seguidos, trabajé muy duro aquel año. Hoy en día ya no hago ninguna de esas cosas”. “Elegí trabajar con The Roots porque adoro su música. Amo el aspecto jazz de su música. Para mí es como un continuum de lo que hicieron A Tribe Called Quest. Yo estaba muy metida en aquel sonido, era un sonido muy familiar para mí. Sentía que pertenecíamos a la misma tribu”. “Creo que The Roots me tomaron en serio y accedieron a vivir y trabajar conmigo porque se sintieron en sintonía con mi feeling. Todos vibrábamos en la misma frecuencia. Estábamos allí, haciendo la música que queríamos hacer, pero aquella música no tenía un lugar en la radio mainstream. Y creo que se sintieron identificados con lo que yo intentaba hacer. Además yo contaba con un presupuesto, así que iban a ser pagados por su trabajo, lo que hacía la cosa aún más divertida (sonrisas)”. “Sí, me acuerdo de la etiqueta neo-soul. Kedar [Massenburg] salió con aquel nombre (…) Nunca hice caso a todo aquello. Como artista nunca pensé que mi trabajo fuera encajar en ninguna etiqueta. Yo sólo tengo que hacer música con la que me sienta bien y que sea honesta. Eso es la música. Para eso la uso yo. Para mí es una plataforma para expresar mis sentimientos desde un punto de vista honesto. Aquello no me importaba. No rechacé la etiqueta, ni la reclamé para mí. Yo sólo pensaba en que iba a hacer música que a mí me gustara. Y creo que D'Angelo pudo sentir aquello de la misma manera”. “A la hora de elegir la gente con la que trabajo me suelo guiar por lo que siento. Definitivamente es una decisión consciente. Sé cómo quiero que suene la música, sobre que tipo de sonidos quiero caminar y escribir. Porque la construcción musical es muy importante para mí. Yo no escribo letras y luego pienso en la música. Eso sería escribir poesía. La música viene siempre primero, y luego escribo. Encuentro mi lugar dentro de la música. Y no puedo escribir sobre cualquier música, tiene que tocarme de cierta manera”. {vimeo width="100%" height="270"}31226393{/vimeo}

“Conocí a J Dilla a través de Common. Ellos ya eran amigos. Fui a Detroit porque quería que él estuviera en mi álbum (…) Bajamos a su sótano y cada una de las cuatro paredes estaba cubierta de estanterías llenas de discos. Él era un científico. Estudió ingeniería, así que siempre había un montón de matemáticas flotando en su cabeza todo el tiempo. Me dejó tomar prestados algunos discos. Allí había muchísimos discos de los que yo no había oído hablar nunca en mi vida. Elegí uno de aquellos discos, escuché un tema y le dije que aquello era bonito. Él vino y me dijo cómo podía samplearlo. Fue muy humilde, en plan 'eh, si realmente te gusta esto puedes cortarlo y usarlo en tu música'. Y así fue como tomé mi primera clase de sampling, de manos de Dilla”. “Con Dilla pasaba como con Madlib. Se toman tan en serio lo que hacen que se pasan todo el día haciendo beats. Eso es lo que hacen. Todo el santo día. Ni siquiera guardan copias. Lo graban directamente en CD. Así es que tienen decenas y decenas de volúmenes de sus series de beats tapes. Así pasa luego que eliges un track y ellos no saben de dónde salió, que samples usaron. Son montones y montones de beats. Esa puede ser la parte complicada: saber de dónde viene un determinado sonido. Así que hay gente en el sello discográfico que tiene que dedicarse a investigar de dónde vienen los samples. Ellos simplemente quieren hacer beats, todo el día”. “Grabamos 'Mama's Gun' en Electric Ladyland, el estudio de Jimi Hendrix. No es que cuenten con el mejor equipo de grabación del mundo, pero me gusta por su vibración. Hay un gato allí, se llama Jimi, y allí cuentan que el gato es el espíritu de Jimi Hendrix que ronda por el estudio. Según ellos, si a Hendrix le gusta tu música el gato vendrá y se quedará a escuchar. Si no le gusta, vendrá sólo un minuto y después se irá (…) Mientras grabábamos a veces se quedó y a veces se fue. Las canciones en las que no se quedó fueron las que al final no pasaron el corte del álbum”. “Cuando nos enteramos de que Dilla había muerto fue un momento un poco surreal. Estábamos todos en Los Angeles grabando. Yo, Questlove, Wendy & Lisa, Mike Elizondo, Jazzy Jeff... Nos referíamos a nosotros mismos como el supergrupo, y nos habíamos juntado en LA a grabar. Cuando nos dieron la noticia fue como 'uau...'. Nosotros nos expresamos a través de la música, así que como homenaje aquella noche grabamos la canción 'Thelephone', que acabó en mi álbum 'New Amerykah: Part One'. La canción está basada en una historia que me contó la madre de Dilla. Me contó que Dilla a veces alucinaba, imagino que por culpa de su medicación, y hacía como que hablaba con alguien, aunque en realidad no hubiera nadie allí con él. La madre le preguntó un día con quién hablaba, y Dilla le respondió, 'estoy hablando con Ol' Dirty Bastard. Me estaba contando qué autobús debo tomar cuando todo se acabe'. ODB le había dicho que se olvidara del autobús rojo, que tomara mejor el blanco. Según ODB el rojo parecía divertido, pero no era el correcto. El bueno era el blanco. De ahí surgió la canción”. “Mi música es mi terapia. Una forma de expresar cómo me siento de forma inmediata”. “Si tuviera que daros un consejo en relación a la música, a crear, sería que lo hagáis libres de miedos y poniendo todo vuestro corazón en ello”.

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Crítica: " New Amerykah Pt. 1 (4th World War)"

Crítica: " New Amerykah Part Two: Return Of The Ankh"

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