Listas

2011 en obituarios

Talentos irrepetibles que nos han dejado para siempre

Obituarios

Los grandes artistas, los genios, los talentos desbordantes, llegan un día, irrumpen con fuerza, nos deslumbran, nos hacen la vida mejor con sus obras, pero también hay un día en el que se van y nos dejan huérfanos. No es agradable hablar de fallecimientos, pero si nos fijamos atentamente en la lista de obituarios de 2011, comprobaremos que ha sido un año difícil: nos ha abandonado gente irrepetible, sin la cual esto ya no será nunca como era (un retroceso a peor). Perdemos calidad, innovación, sorpresa, emociones: en un repaso a 2011, por tanto, no podía faltar un último recuerdo, un tributo, a una serie de personas a las que se echará de menos.

Amy Winehouse (1983-2011)

La autopsia determinó que la causa final de su muerte fue una intoxicación alcohólica. No fueron las drogas (aún más) duras que tomaba para olvidar el dolor que le provocaba su cáncer de alma, pero tanto da: su voz torrencial, inmensa, apasionante, ya no se volverá a escuchar, un prodigio de la naturaleza que competía desde la actualidad con la gran historia del soul. Amy había flirteado con el desastre desde hacía tiempo y un final así era de esperar, y sin embargo el shock fue inenarrable: ingresó en el poco honorable club de los 27, pero lo hizo con toda la escena musical internacional apenada hasta lo más profundo y conmocionada por la magnitud de la pérdida. Amy era joven, tenía canciones en marcha –son las que Mark Ronson y el resto de su equipo habitual han estado arreglando para editar este 5 de diciembre bajo el título de “Lioness: Hidden Treasures”, su testamento final– y un don divino de los que se dan una vez por cada generación.

Trish Keenan (1969-2011)

Sin Trish ya nunca más existirá Broadcast, una de las bandas más exquisitas de las dos últimas décadas, y éste es –más allá de la tragedia personal, que es terrorífica– el peor golpe que nos da su fallecimiento el 14 de enero pasado: sin contar el material póstumo que baraja editar James Cargill, hoy su viudo, la carrera de la banda se trunca cuando más interesante se estaba poniendo gracias a la colaboración con The Focus Group en “Investigate Witch Cults Of The Radio Age” (Warp, 2009). En Broadcast ya se había emprendido el camino hacia el esoterismo retrofuturista, cada vez había más aura mágica y menos conexiones con el pop, se ejercía a todos los efectos de padrinos del pop hipnagógico y del revival de la library music, se ahondaba en lo desconocido que todavía nos reservaba la música de vanguardia. Sin Trish todo eso se pierde, además de su voz cálida, maternal, esa que nos enamoró en tres álbumes – “The Noise Made By People”, “Haha Sound” y “Tender Buttons”– que ya no podremos escuchar sin añadir tristeza a la sensación original de desconcierto.

Conrad Schnitzler (1937-2011)

El nombre de Conrad Schnitzler evoca toda la historia del rock alemán de vanguardia de los años 70 y sus intersecciones con la electrónica: estuvo en Tangerine Dream en los primeros años de la banda, antes de que Edgar Froese se hiciera con el mando absoluto, fundó Kluster con Roedelius y Moebius para, rápidamente, abandonar la banda y crear otra, Eruption, que ha pasado a la historia como uno de los secretos mejor guardados del krautrock juntamente con el grueso de su discografía, decenas y decenas de álbums la mayoría autoeditados, de construcción analógica y desarrollo libre, minimalista y repetitiva, cósmica y oscura, con algunas cumbres como “Con” (1978), disco en el que aparecía su casi-hit “Ballet Statique”, y una fase reciente más entroncada con la música clásica y basada en la colaboración con otros músicos. Sólo en 2011 han visto la luz siete discos con su nombre, y es que Conrad Schnitzler trabajó hasta el último día, hasta que su cáncer de estómago dijo basta.

Gil Scott-Heron (1949-2011)

Fue el padrino de muchos géneros, pero en particular del hip hop entendido como una forma de poesía. Gil Scott-Heron, que comenzó tocando en bandas jazz en su juventud, entró poco después en la escena más concienciada del soul y el funk, la que partía de Marvin Gaye pero con un mayor compromiso social y una descripción cruda de la realidad degradada que veía a su alrededor. Fue el Bob Dylan (o el Charles Bukowski) de la música negra, firmó en 1971 el himno generacional “The Revolution Will Not Be Televised” cuando en Estados Unidos se daba carpetazo al sueño de la contracultura y se empantanaba en la guerra de Vietnam –está incluido en el LP “Pieces Of A Man”–, y mantuvo una línea de trabajo constante y vibrante hasta principios de los 80. Desde entonces, el silencio (o casi) y el olvido (o casi), hasta su regreso triunfal en 2010 con “I’m New Here”, un álbum de poesía y blues nocturno con el que supimos del purgatorio de 16 años de adicción a las drogas y ruina económica (también moral) que había sufrido, y que sin duda le pasó factura. Su colaboración con Jamie xx en “We’re New Here” (XL, 2011) le había ayudado a llegar al público joven, pero era demasiado tarde. O igual habría que decir que llegó justo a tiempo para que su memoria se recuerde como merecía.

Heavy D (1967-2011)

Cuando se repasan los primeros años del hip hop tal como lo codificaron Run DMC, el nombre de Dwight Myers nunca aparece a la altura de Beastie Boy, Prince Paul y Public Enemy, pero debería estar ahí arriba, en el Olimpo de los grandes. Firmó uno de los primeros álbumes de aquella era bajo el nombre de Heavy D & The Boyz, “Living Large” (1987), cargado de hits que convirtieron a Myers en un rapper popular pero a la vez creíble, que conservaba el respeto de las calles gracias a producciones duras –a lo largo de sus años en activo trabajó con Pete Rock, Marley Marl y Teddy Riley–. Consiguió ser respetado por la golden era de Nueva York en los 90 a la vez que Michael Jackson le pedía un rap para su tema “Jam” y se le mencionaba en “El Príncipe De Bel-Air”, y cuando abandonó el hip hop en activo ayudó a desarrollar la figura del moderno empresario que toma decisiones desde el despacho de una multinacional y firma y desarrolla nuevos artistas de éxito. La terrible jugada que le tenía preparada el destino fue que, tras 15 años alejado de los escenarios, un ataque se lo llevó en la puerta de su casa justo cuando había decidido volver a la vida pública.

Clarence Clemons (1942-2011)

Por siempre, Clarence Clemons será recordado como el saxofonista de la E Street Band que acompaña a Bruce Springsteen. Es más: los solos de saxo que suenan en “Thunder Road”, “Born To Run”, “Badlands”, “Born In The USA” y otros himnos intocables del mismo peso llevan su firma, su capacidad pulmonar inigualable que, cuando la E Street Band estaba inactiva, destinaba a proyectos en solitario que nunca gozaron de éxito o a colaborar en calidad de músico de sesión para artistas de todo pelaje. No mucha gente conoce este dato, pero Clarence Clemons llegó a actuar en un festival Sónar como parte de la banda de Eboman, un productor holandés de breakbeat. Su último trabajo fue el solo de saxo que suena en “The Edge Of Glory”, una de las pocas canciones tolerables del último disco de Lady Gaga. Incluso aparece en el vídeo, inmóvil y sombrío, rodado pocos días antes de que le diera ese ataque al corazón fatal.

Rei Harakami (1970-2011)

Por su lejanía, no solemos hablar demasiado del techno que se hace en Japón. Por tanto, se trata de una escena desconocida en su mayor parte y de la que llegan muy pocas pistas hasta nuestro mundo occidental, tan separado. Pero en los 90 hubo un sello que se posicionó como la mejor exportación nipona en lo referente a música electrónica de baile, el sello Sublime Records en el que grababan artistas familiares para el público especializado como Susumu Yokota o Ken Ishii. El músico más activo de Sublime fue, de todas maneras, Rei Harakami, autor de casi una decena de álbumes entre 1998 y 2007 en los que practicaba una mezcla de techno etéreo y breaks en los que se detectaba una gran influencia de Carl Craig, Neil Olivierra y la línea más jazz de Underground Resistance. Rei Harakami falleció el 27 de julio a causa de un ictus repentino.

Dan Sicko (1969-2011)

La literatura musical tiene un puñado de obras importantes que ayudan a comprender mejor el desarrollo de géneros, escenas, ciudades y personas. Dentro del apartado de libros dedicados a la música electrónica, y en particular al techno, y todavía más en particular al que nació en Detroit, hay un título imprescindible: “Techno Rebels: The Renegades Of Electronic Funk” (1999), nunca traducido al castellano, que documenta con precisión y pasión la génesis y desarrollo de aquel funk futurista y maquinal que idearon genios contemporáneos como Juan Atkins, Derrick May, Kevin Saunderson, Mike Banks, Jeff Mills y el misterioso The Electrifying Mojo, el DJ de radio que expandió el evangelio del futuro desde su púlpito en las ondas. Dan Sicko es el autor de “Techno Rebels”, además de uno de los participantes destacados del documental “High Tech Soul. The Creation Of Techno Music” (2006). Su fallecimiento fue trágico, debido a un melanoma ocular, una enfermedad rara que en su caso se hizo incurable.

Darryl Pandy (1969-2011)

Junto con Robert Owens, Darryl Pandy fue la voz del house en su etapa primigenia, cuando el nuevo género que se estaba formando en los clubes y los sótanos de Chicago perseguía escapar de la sombra de la música disco. Suya es la interpretación, nada menos, de “Love Can’t Turn Around”, el gran himno de Farley ‘Jackmaster’ Funk de 1986 y que está entre los primerísimos clásicos de un estilo que cambió para siempre la cara de la música moderna y dio paso a la nueva era victoriosa de los ritmos de baile. Ninguna de sus colaboraciones vocales posteriores alcanzó tanto éxito y posteridad, pero eso no impidió a Pandy desarrollar una carrera de 25 años como vocalista, truncada para siempre por su muerte inesperada el pasado 10 de junio, el mismo día en el que fallecía otro obrero del house, el británico Kenny Hawkes, firmante de algunos de los mejores 12”s de sellos tan sólidos como Rekids o Paper.

DJ Mehdi (1977-2011)

Poco antes de su muerte, había dejado la sala barcelonesa Razzmatazz como unos zorros junto con su alma gemela Riton, con quien formaba el destructivo dúo Carte Blanche, uno de esos equipos que, en los últimos años, han fusionado los lenguajes del hip hop de pista, el electro y el house gomoso. Su fallecimiento fue tan estúpido que aún da más rabia: se hundió un pequeño balcón interior de su casa de París mientras celebraba su aniversario con un grupo de amigos, hubo heridos y la peor parte se la llevó él. DJ Mehdi era el corazón del sello Ed Banger, el artista que fijaba las raíces de la casa parisina en la música negra americana, en el hip hop y el electro, para a partir de ahí expandir el sonido hacia la apoteosis hedonista que se sublima, posiblemente, en los dos grandes himnos que nos ha dejado: “I Am Somebody” y “Signatune” (en la versión remezclada por Thomas Bangalter).

Pedro San Martín (1971-2011)

Volvía de ver un concierto de Nacho Vegas y Refree y sufrió un trágico accidente de carretera que nos privará para siempre de su talento y de sus canciones, que había entregado a su banda de siempre, La Buena Vida. Pedro San Martín era miembro fundador de la banda desde 1988, y por tanto uno de los pioneros y pilares básicos del Donosti Sound, la escena de pop frágil y naïf que dio humanidad y cariño a los inicios del indie-pop en España. A pesar de que La Buena Vida había sufrido la merma de componentes desde que Borja Sánchez e Irantzu Valencia abandonaron el grupo, la banda se había mantenido en activo hasta la fecha presente, aunque su futuro queda dolorosamente comprometido tras la ausencia de Pedro. La escena indie nacional sufrió una fuerte conmoción al conocerse su accidente, e incluso la organización de Primavera Sound puso en marcha un pequeño festival en Barcelona, PSM, para rendirle un merecido y necesario homenaje.

Bert Jansch (1943-2011)

Él fue uno de los cantautores que le han dado sentido pleno a la idea de una Inglaterra mágica y rural tal como la expresa Rob Young en su imprescindible libro “Electric Eden”. Bert Jansch no sólo fue miembro fundador de Pentangle, la referencia más conocida del folk británico y la que animó a su resurgencia a finales de los 60, adornada con referencias célticas, suaves cascadas de guitarra y voces de azúcar, sino que desde 1972, tras la disolución de la banda, siguió expresándose de la misma manera candorosa en paralelo a otras nuevas voces del pop bucólico, pagano y tristísimo de la época, empezando por Nick Drake, continuando por Donovan y acabando por John Martyn. Mantuvo su carrera en activo a lo largo de cuatro décadas más, protagonizando un episodio de reivindicación con “The Black Swan” (2006), el álbum con el que recogió los halagos de la generación folk de la década pasada –Beth Orton y Devendra Banhart colaboraban en el álbum–, reconociéndole así, de manera oficial y sentida, su condición de pionero.

Steve Jobs (1955-2011)

No era músico, aunque se relacionó con ellos en el pasado –fue pareja de Joan Baez en los años del post-hippismo californiano–, y sin embargo nadie ha transformado más la música en estos últimos diez años que Steve Jobs. Primero su consumo y distribución, y finalmente su misma estructura, su ADN básico. La invención del iPod en 2001 fue el primer golpe mortal a la industria del disco tal como la hemos conocido, el comienzo del fin del CD y de las tiendas físicas. Los gadgets de Apple han ido afectando, uno tras otro, a la circulación, consumo y digestión de la música, hasta llegar al iPhone y el iPad, un dispositivo que amenaza la vigencia futura del ordenador portátil como estación de trabajo y que ya ha dado algunos de los primeros discos creados en su pantalla táctil, firmados por artistas tan necesarios como Gorillaz y Björk.

Mikey Welsh (1971-2011)

Sufría crisis nerviosas y en 2001 incluso intentó quitarse la vida con una sobredosis de fármacos. Este precedente es el que ha disparado las teorías de un segundo intento, esta vez con éxito, en el hotel de Chicago en el que fue encontrado muerto el pasado 8 de octubre, a causa de un ataque al corazón, probablemente inducido por un consumo excesivo de píldoras. Mikey Welsh había abandonado la música en 2001 para dedicarse a la pintura; antes de eso, había sido bajista en Weezer durante tres años, desde que Matt Sharp abandonara la banda para formar The Rentals, y también bajista ocasional al servicio de la musa indie de Boston, Juliana Hatfield.

Martin Rushent (1948-2011)

Junto con Martin Hannett y Trevor Horn, Martin Rushent fue el gran productor de los años de mayor fecundidad del post-punk en Inglaterra, aunque su rastro se puede encontrar todavía más atrás, en bandas folk y glam como ingeniero de sonido. Su primera producción profesional la firmó en 1977 para The Stranglers, con quienes trabajó durante dos años alternando labores en la cabina con grabaciones para otras bandas de la época, como Buzzcocks, Télephone y Altered Images. Sin embargo, a Martin Rushent se le recordará principalmente por su trabajo con The Human League desde el superventas “Dare” en adelante, hasta 1990, momento en el que desapareció 15 años del panorama musical británico. Sus últimos trabajos de producción, para The Pipettes, Carl Barat o Does It Offend You, Yeah?, no son relevantes, pero su huella en la profunda historia del synth-pop será imborrable, tanto como “The Sound Of The Crowd” y “Don’t You Want Me”.

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