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The Year In Review

Top 25 Discos Españoles 2010

The year in review Top 25 Discos Españoles 2010Esta es la lista de la proximidad para quienes nos leéis en castellano: 25 discos editados en España en el año 2010, en todos los géneros y en todas las lenguas, que han ocupado nuestras horas y amenizado nuestros desvelos.

25. Mala Rodríguez: “Dirty Bailarina” (Universal)

Producido por el estadounidense Focus, Griffi y Señor T.Cee, el nuevo trabajo de Mala Rodríguez es una delicia futurista que sabe a ciencia-ficción y jaroteo, a flamenco-soul para las nuevas generaciones. Con cada disco, la jerezana ha ido enriqueciendo el tapiz de sus experimentos a golpe de puntadas arriesgadas, más melódicas; difuminando los límites del R&B, el pop, el flamenco y el rap con elegancia, frescura y tono futurista. Sigue siendo la reina del rap español, y sigue reinventándose sin cambiar su espíritu. Óscar Broc

24. Comando Suzie: “El Hombre Sentimental” (Autoreverse)

El segundo disco de Comando Suzie es, oficialmente, “la biografía emocional de un hombre despechado, enamorado, desenamorado, decepcionado y anhelante”. Como si de un Joe Crepúsculo crecido a dieta de after-punk se tratara, la voz grave de Raúl Lopez se arrastra por los desapacibles caminos del ser que se sabe malquerido, tomándole la medida al desamor, a los rencores, el sentimiento de culpa o el deseo de venganza en unas canciones que visten de negro y suenan a crooning sórdido y a synth-pop irónico y de tonos noir. Luis M. Rguez 23. Maria Rodés: “Una Forma De Hablar” (BCore)

Podría pasar por postulante a “nueva chica folkie”, pero no hay más que escuchar con atención para ver que en el cajón de referencias de María Rodés hay espacio para otros muchos brillos –armonías de sabor tropicalista y trazas slowcore, psicodelia pop onírica, aromas de café concierto y jazz– distintos al del folk. Su voz y su guitarra son sólo el material de base para la construcción de unas canciones abiertas al juego y a la experimentación sutil que destilan una belleza especial. Cotidiana, relajada e íntima. Intriga y atrapa. LMR

22. Pony Bravo: “Un Gramo De Fe” (El Rancho)

Tras abrir vías de fuga en dirección al post-punk más huesudo y esquinado como Fiera, Pony Bravo regresan al deje sureño con “Un Gramo De Fe”. Los sevillanos esquivan las estructuras tipicas del pop sin dejar de trabajar sobre formas de música popular, aunando afán experimental y visiones críticas con la narración de escenas costumbristas no exentas de humor. Kraut mediterráneo de ritmos obsesivos y post-punk del terruño, psicodelia telúrica y rock de acento andaluz, sonidos afrocubanos, aires flamencos y reggae-dub. Coherentes dentro de su atrevida disparidad. LMR

21. Hola A Todo El Mundo: “Hola A Todo El Mundo” (Producciones Disonantes)

“Hola A Todo El Mundo” es un álbum madurado sin prisas, cortado con un tiento y un saber hacer artesano impropio de una pandilla de debutantes. Sorprende comprobar la cantidad de matices con los que HATEM son capaces de jugar en sus mejores canciones; lo esmerado de unas arquitecturas de gramática predominantemente folk que pueden alargarse hasta los siete minutos sin que se eche nada de más. Los temas se repliegan y se ensanchan, creando espacios para que la canción respire y se deje mecer por unos vientos que, cuando soplan de cara, son toda una exhalación de vida. LMR

20. Fred I Son: “Diu Que No Sap Què Vol” (Sones)

La propuesta musical de Fred I Son apenas presenta secretos o misterios. Su música esculpe algo parecido a un resumen sin pretensiones de los puntos clave del indie-pop contemporáneo. Baja intensidad, melodías enamoradizas, temas breves, guitarras cristalinas muy bien trazadas, estribillos bien trabajados y una base rítmica que se mueve a ese ritmo ideal que permite seguir con el pie y no caer en una madeja perezosa o excesivamente ensimismada. Canciones redondas, de arreglos precisos y melodías certeras, que convierten la modestia y la sencillez en una virtud. Mario G. Sinde

19. Stay: “Passport To Freedom” (Subterfuge)

Han pasado diez años desde que iniciaran su travesía y, sin embargo, Stay suenan ahora más frescos, más elásticos y con más matices que antes. En “Passport To Freedom” los barceloneses se lanzan a alumbrar raciones de pop radiante que mira hacia el futuro (su misión: reinventar el espíritu de la psicodelia por la vía del Madchester caleidoscópico desde un perspectiva personal) sin renegar de su propio pasado (uno que no se entiende sin la influencia del freak-beat, el Swinging London y el pop de filiación mod). Pop multicolor que apunta a tus sentidos y a tu corazón. MGS

18. Luap: “Dobra” (spa.RK)

Cántabro y tranquilo, Luap produce música a la lumbre del fuego y fuera del mundo. Le encanta el dub jamaicano y lo hace a su manera, envolviendo el eco en crepitares digitales que son como las chispas que levanta el carbón al consumirse. “Dobra” es un disco de dub que parece urbano, pero que es campestre en la ejecución. Es el disco que sale cuando se ha escuchado dub de todas clases –el original de King Tubby en los 79, pero también el más moderno de Pole y Kit Clayton–, se recuerdan detalles de memoria y te pierdes en la nube del estudio de grabación durante horas. Javier Blánquez

17. Single: “Monólogo Interior” (Elefant)

Frente al pop de consumo rápido, Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin acaban de servirnos una segunda ración de Single en versión reconcentrada, difícil de asimilar. Cuesta meter la cabeza en “Monologo Interior”, un disco rebuscado, excéntrico y teatral que esquiva las convenciones del pop o las músicas de herencia negra a base de ritmos de vals, sonidos del musical de entreguerras, tango y formas de canción popular española. De entrada desconcierta, pero crece con el tiempo hasta llegar a embrujar. LMR

16. Thelemáticos: “Thelemáticos” (Discoteca Océano)

El de Thelemáticos es un pop con mundo propio. La mente de Sergio Pérez funciona como un entramado de galerías y espejos de los que emana sin esfuerzos un dechado de psicodelia pop de entretiempo que se disfruta sin sudor y sin prisas, que crece y cambia de color a cada escucha. El universo Thelemático ha abierto su campo de miras hacía terrenos menos obtusos –particulares en su rareza naïf, pero comprensibles por cualquier psique humana–, haciendo de su debut largo una pequeña joya de ese pop entrañable y raruno que tanta falta hace en nuestra escena pop. Sergio del Amo

15. El Hijo: “Madrileña” (Acuarela)

El primer triunfo de “Madrileña”, segundo largo de El Hijo, es la manera en cómo el autor integra su universo folk en un contexto cien por cien urbano, exterior y sociable. El álbum respira calle, noches en vela, salidas nocturnas sin rumbo, soledades en medio del bullicio, luces de neon y encuentros dolorosos en cualquier avenida. Y todo eso tiene una gran influencia en el sonido de un disco en el que el ex Migala se deja llevar por un arrebato pop que incide de forma muy clara en su propuesta. En la integración de ambos mundos y en la duda de quién somete a quién estriba uno de los secretos del álbum. MGS

14. Dotore: “Los Veranos Y Los Días” (Cosas Primo)

Sosegado e íntimo, interesado en coleccionar sólo aquellos momentos capaces de desenredar las cuerdas que causan nudos en el corazón. Así se muestra el donostiarra Dotore en su delicado y preciosista segundo álbum para Cosas Primo. Sus canciones, construcciones entre el folk oblicuo y el pop de ánimo recogido, tan bellas como sencillas, son como haikus serenos; postales embebidas de emoción y anhelo romántico que reflejan el valor de esos instantes únicos en los que un simple gesto o una imagen robada al devenir del tiempo valen más que todas las palabras del mundo. LMR

13. Margarita: “Explota El Cuerpo” (BCore)

Margarita vuelven con el paso cambiado. Y para bien. Tras un debut desbocado, ansioso y urgente que les colocó entre las más fascinantes rara avis del entorno indie español, los madrileños nos muestran su cara más amable. Por el camino han mudado de lengua (ahora manda el español de tonos crípticos), han bajado las revoluciones de su maquinaria accionista, se han llenado los pulmones de aire y luz tropical. Su punk expresionista vuelve transformado en pop angular, asilvestrado y sanguíneo, vitalista y refrescante en “Explota El Cuerpo”. Gran segundo paso. LMR

12. Klaus & Kinski: “Tierra, Trágalos” (Jabalina)

Haciendo bandera de un eclecticismo que puede llegar a descolocar, Klaus & Kinski se pasean sin rubor entre los sonidos del pasodoble –interpretado con aires de canción ligera–, la bossa nova, el noise pop de tintes shoegaze, la música de vodevil, el folk, el tecnopop y hasta el italodisco. En el mundo de estos insaciables murcianos no hay lugar para los convencionalismos. Y aunque su revoltijo de estilos pueda llegar a empachar, es su imaginería lírica la que hace de su propuesta algo realmente especial. LMR

11. Mishima: “Ordre I Aventura” (Sones)

En la nueva orografía sonora del pop escrito en catalán, Mishima han acabado consolidándose como uno de los grandes puntales a los que conviene seguir. “Ordre I Aventura” es su grabación más continuista, pautada y cómoda –en el sentido de que no arriesga ni se marca grandes retos–, pero también su disco más completo y concluyente hasta la fecha. Es el que mejor compacta toda la iconografía literaria, sonora y visual de Mishima, el que pule con más precisión las aristas de su discurso y el que transmite con más empeño la pasión e intensidad lírica de David Caraben, su líder. MGS

10. Tulsa: “Espera La Pálida” (Subterfuge)

Entre la confesión y el flagelo, con el corazón abierto y con un arrebato de sinceridad emocional de los que acaban perdurando en la memoria, Miren Iza ha firmado uno de esos álbumes que vendrían a posicionar, y bien, con seriedad y argumentos, la Americana en el entorno del indie español. “Espera La Pálida” se abre al oyente con una franqueza y honestidad –no hay drama ni épica de la tristeza; todo es mucho más sutil, cuerdo y preciso– que te deja desarmado. MGS

9. Úrsula: “Hasta Que La Soledad Nos Separe” (Foehn)

David Cordero ha encontrado nuevos soplos de inspiración en la escena ambient y en los nuevos popes de la neoclásica. Úrsula ahora optan por la abolición completa y total de la voz y las letras como hilo argumental de las canciones. En su nueva vertiente instrumental, el discurso se aleja del post-rock para avanzar con más delicadeza y finura, con el paso firme pero espaciado, fiel a las leyes del nuevo ambient. Transmite tensión y melancolía, desprende belleza e intensidad paisajística. Julio Pardo

8. Aias: “A La Piscina” (Captured Tracks)

Pasaron de tocar para sus amigos a fichar por Captured Tracks, la discográfica de moda en lo que a chicas ruidosas se refiere. Y aunque sólo sea por atreverse a plantar cara a la invasión lo-fi femenina de ascendencia surf que nos llega de Estados Unidos, “A La Piscina” es un buen disco. Se echa de menos cierta profundidad en las letras (no estamos ante un disco folk, por supuesto, y homenajean, a su manera, a las que explotaron en los 50 y en los 60 Spector y sus chicas) y un mayor riesgo melódico (por momentos las canciones no parecen acabar, sino superponerse unas a otras), pero nadie puede culparlas. Están abriendo camino. Laura Fernández

7. Pulshar: “Inside” (Desolat)

“Inside” conserva la esencia de ese jeroglífico sonoro que fue la portada del primer EP de Pulshar. Ese guiño a las raíces jamaicanas se ha extendido hasta este álbum. Pablo Bolívar y Aphro Sáinz siguen bebiendo de la cadencia del reggae en sus ritmos y de ese aplomo melancólico en sus melodías. Las atmósferas se vuelven gélidas, con el aire fantasmagórico de los ecos y sus bajos pesados y distantes. Pero la sensación generalizada durante todo el disco es de calidez y de abrigo. Un otoño templado de clima mediterráneo en el que el sol se deja ver bastante a menudo. Mónica Franco

6. Standstill: “Adelante Bonaparte” (Buena Suerte)

Standstill han dejado de ser, al menos por el momento, una banda de rock. Los gritos han pasado a mejor vida, las guitarras ya no tienen por qué ser virulentas y el pop delicado, épico y abierto a la experimentación sigue haciéndose un hueco en su espacio musical. “Adelante Bonaparte” es un trabajo sorprendente, acogedor y a la vez temible; un abismo con vistas espectaculares y dolorosa caída; una fábula circular organizada en tres partes que, aunque al principio parezca no cuajar, acaba revelándose una obra trascendente, sutil, redonda y magna. Germán Aranda

5.Triángulo de Amor Bizarro: “Año Santo” (Mushroom Pillow)

Tres años después de aquel exabrupto de noise resonante y rítmica obsesiva que fue su álbum de debut, los gallegos airados vuelven haciendo gala de un sonido aún más áspero, congestionado y electrizante. Los ambientes se enturbian, los ritmos sacan músculo y las guitarras se crispan, se saturan –hasta rozar lo malsano– y se organizan en muros de distorsión shoegaze a lo largo de 28 minutos de noise rock canibal, descarnado, asfixiante y con un punto perverso. Nervio y excitación sin descanso. LMR

4. El Guincho: “Pop Negro” (Young Turks)

Un estudio en Berlín, grabaciones aquí y allá, músicos e instrumentos, pre-grabados manipulados a capricho: mucho han cambiado las circunstacias en el entorno de El Guincho. El canario se aleja de la reinante presencia del patrón 4/4 y de los loops superpuestos que marcaron su anterior disco. La cosa se pone más pop. Y también más negra. La excepcionalidad y lo peculiar de su estilo convive con el atractivo de un producto apto para todos los públicos. MF

3. Astrud & Col·lectiu Brossa: “Lo Nuevo” (Elefant)

Nada es nunca lo que parece en la cosmogonía Astrud. Por eso, en “Lo Nuevo” sólo hay dos canciones “nuevas” si por tal entendemos algo “que se ve o se oye por primera vez”. Sin embargo, aunque 12 de los 14 temas del álbum son versiones de canciones ya conocidas, su escucha golpea con la fuerza de lo inédito gracias al nuevo corazón que aporta el Col·lectiu Brossa. Conservando un esqueleto de fragilísimo cristal adicto a convulsionarse, las antiguas canciones pierden la inmediatez de sus ropajes pop para buscar nuevos disfraces; nuevos simulacros que el Col·lectiu Brossa fabula a partir de violín, chelo, acordeón, zanfona, marimba y vibráfono. “Lo Nuevo” es como mirarse en el espejo (deformante), coger los recuerdos que allá se reflejan y convertirlos en algo nuevo; algo totalmente distinto, pero radicalmente igual. Raül de Tena 2. Balago: “Extractes D'un Diari” (Foehn)

Balago siempre han sonado a melancolía urbana y a emoción íntima, interiorizada, casi en slow motion, pero en su nuevo disco esta sensación se intensifica. Tras “D’Aquii”, durísimo ejercicio de terapia y redención personal basado en el desarrollo frío, hermético y claustrofóbico de un ambient áspero de difícil acceso a pesar de su fuerte impacto emocional, “Extractes D’un Diari” propone un proceso notablemente distinto; sobre todo en la adopción de una estructura sonora y expresiva más cálida, variable y orgánica. Balago recuperan el apoyo de algunos beats, inyectan más carga melódica a las canciones –breves fogonazos de entre uno y dos minutos–, juguetean con más ahínco con los sintetizadores y acaban transmitiendo más vida, cuerpo y músculo a su discurso. David Broc

1. Delorean: “Subiza” (Mushroom Pillow)

Si algo dejaron entrever explícitamente Delorean en “Into The Plateau” (BCore, 2006), fueron sus ansias de adentrarse sin miramientos en los recodos electrónicos. Y si algo hay que destacar de este “Subiza” respecto a su aclamado EP “Ayrton Sena” es la gran labor de postproducción que hay detrás: ninguno de los temas baja de las sesenta pistas, convirtiendo cada uno de los cortes en un rompecabezas sonoro gestado a partir de voces sampleadas y bases que le deben mucho al house y a los balearic beats que a mediados de los ochenta explotaron como un elixir hedonista en el hervidero hippie de Ibiza. Las guitarras se han visto diluidas, y sin embargo uno no las echa de menos gracias a temas que son como rayos de sol sintetizado con sabor eurodance. Los medios especializados de medio mundo les han encumbrado sin pedir nada a cambio. Y es que el mérito de todo este asunto recae en cuatro músicos que, durante toda una carrera, han anhelado que medio mundo bailara al son de sus temas. Esa meta se vislumbra cada día más cercana. SDA

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