Entrevistas

Teengirl Fantasy: “Es complicado estar contento todo el rato, incluso cuando estás de fiesta”

Una conversación con Nick Weiss y Logan Takahashi de Teengirl Fantasy sobre su nuevo álbum, la importancia del componente orgánico y la melancolía en la música de baile

Hablamos con Nick Weiss y Logan Takahashi, los componentes de Teengirl Fantasy, sobre su nuevo álbum en R&S Records, “Tracer”, así como de la importancia del componente orgánico y la melancolía en la música de baile.

Teengirl Fantasy son una de las propuestas más estimulantes de la música electrónica contemporánea, y una de las más valientes. Pudimos comprobarlo en el directo que ofrecieron una horas después de mantener esta charla en la sala Razzmatazz. Armados con sintetizadores, cajas de ritmo, samplers y procesadores de efectos, tocan su música sin red, alcanzando cotas de intensidad

difíciles de experimentar en los shows electrónicos actuales, la mayoría de ellos sujetos a la dictadura del pre-grabado. En el estudio se transforman en magos del escapismo sintético, tejiendo atmósferas de tristeza eufórica a base de estructuras en constante evolución y texturas exuberantes en las que sobresale su magistral dominio del equilibrio entre melancolía y hedonismo. Después de darse a conocer en 2010 de la mano del magnífico “7AM”, acaban de publicar ahora “Tracer” (R&S Records, 2012). En él, se olvidan de samples para construir una evocadora epopeya sintetizada en la que resuenan ecos del Detroit más soñador a la vez que mantienen su inconfundible perspectiva. Así pues, hablamos con Nick Weiss y Logan Takahashi sobre, entre otras cosas, su querencia por la improvisación, el sueño hecho realidad que representa trabajar con Romanthony y el significado simbólico de publicar en R&S.

Os conocisteis en el Oberlin College. ¿Cómo entrasteis en contacto y que os llevó a empezar a hacer música juntos?

Nick: Nos conocimos en los primeros días de la universidad un poco por casualidad. Estábamos en el mismo programa y nos conocimos durante las jornadas de orientación. Desde el primer momento empezamos a hablar de música, descubrimos que ambos nos habíamos traído aparatos para hacer música y dijimos “deberíamos improvisar juntos” y eso es lo que hicimos en el sótano de nuestras habitaciones, sin ningún propósito de formar una banda ni nada.

Logan: Originalmente éramos tres, empezamos tocando con otro chico...

"A diferencia del anterior disco en el que muchas veces empezábamos con un sample, esta vez escribíamos las melodías nosotros mismos"

¿Y qué pasó con él?

L: Íbamos a tocar nuestro primer concierto y en el último minuto decidió que no lo haría.

N: Nos dijo algo así como “veo que entre vosotros dos tenéis algo especial”. La cuestión es que grabamos algunas canciones en las que habíamos trabajado para esa fiesta y las colgamos online. Y así empezó todo. Fue algo muy espontáneo.

Hay un montón de bandas que han salido del Oberlin College. ¿Qué creéis que tiene de especial que hace que surjan tantos proyectos musicales de ahí?

L: Tiene un gran conservatorio. Siempre hay muchos músicos estudiando en el colegio, mucha gente interesante en general. Y también está un poco en medio de la nada, perdido entre campos de trigo, así que no hay muchas cosas que hacer. Tienes que crearte tus propios eventos culturales.

N: El hecho de tener el conservatorio integrado en el colegio es muy importante. Más allá de que muchos miembros de bandas han estudiado ahí, hace que puedas asistir constantemente a recitales de compañeros, tanto de música clásica como de gente que estudia música electrónica. Eso hace que la inspiración flote en el ambiente.

¿También pasasteis una temporada en Ámsterdam, no?

N: Sí, fueron solo 3 meses de intercambio, estuvo genial. En principio fuimos a estudiar pero la realidad es que no tuvimos clases [risas]. Te asignaban un mentor, artistas, gente que vive de ello, y en vez de hacer clases, te daban consejos y compartían su experiencia.

Hablemos del nuevo álbum. Desde las primeras escuchas me ha parecido un disco mucho más denso y sofisticado que el primero. ¿Cuál fue vuestro punto de partida?

L: Empezamos a trabajar en un grupo de canciones alrededor de la primavera de 2011, las primeras fueron “Timeline”, “Motif” y la canción que acabó siendo “Pyjama”. Desde el primer momento lo escribimos todo con nuestros aparatos. A diferencia del anterior en el que muchas veces empezábamos con un sample, esta vez escribíamos las melodías nosotros mismos. Esta es una de las mayores diferencias entre ambos discos.

"Aunque evidentemente usamos elementos que se repiten constantemente, no queremos sonar “loopy” sino que nos gusta retorcer los sonidos"

Eso hace que el sonido sea mucho más sintético.

N: Si, en “7AM” había bastantes samples de sonidos orgánicos pero esta vez es puramente sintético, aparte de los vocalistas, claro. Y en referencia a la densidad del sonido creo que es porque empezamos a utilizar diversos sintes digitales que tienen una gama de sonidos mucho mayor que los analógicos, lo que te permite mucho más juego a la hora de añadir elementos y superponer capas. También pasamos mucho más tiempo trabajando en las canciones, y nos centramos mucho más en la edición, trabajando las canciones por partes, para que tuvieran mucha dinámica.

Las estructuras que usáis en este disco me tienen fascinado. Tienen el punto hipnótico de la música de baile pero a la vez son muy fragmentadas. ¿Cómo soléis construir los tracks?

L: Muchas de las ideas iniciales vienen de improvisar en directo, muchas veces empezamos con uno o dos loops, pero esta vez definitivamente hemos pasado mucho tiempo editándolas con el ordenador, automatizando cosas. Además esta vez hemos podido tocar las canciones en directo a media que las íbamos grabando y esto nos dio la oportunidad de ir viendo lo que funcionaba o no en términos de estructura.

N: Realmente nunca pensamos en plan “necesitamos un ritmo, una línea de bajo, melodía”, sino que solemos trabajar a partir de capas y capas de secuencias y las vamos amoldando unas con otras. Aunque evidentemente usamos elementos que se repiten constantemente, no queremos sonar “loopy” sino que nos gusta retorcer los sonidos constantemente, ya sea con los parámetros de los sintes o con efectos, para que vayan mutando en cada compás. Y eso hace que suene suelto y fluido, orgánico.

"Pensamos en un tipo de universo sonoro para cada canción. Siempre hemos tenido estas atmósferas melancólicas, a veces muy emocionales"

Otra de las diferencias que encuentro con el anterior es que este funciona mucho más como una unidad. Que fluye como una sola pieza.

L: Oh, sí, me gusta que digas esto porque era una de nuestros principales objetivos. Pasamos mucho tiempo pensando en la secuenciación del disco. Con el primero ya lo hicimos pero esta vez ha sido muy importante.

Las atmósferas de vuestras canciones son muy particulares. Me gustaría saber si es uno de los aspectos al que le dais más importancia y, por otro lado, de donde sacáis la inspiración para crear este tipo de feeling.

N: Es difícil decir de dónde viene la inspiración. Creo que en algunas de nuestras primeras canciones puedes sentir que estábamos encerrados en un sótano frío, aislados en Ohio, rodeados de nieve. Algunas de las canciones del nuevo disco también fueron escritas ahí pero hay otras que las compusimos en Nueva York, en verano, con un calor infernal en un almacén muy mal ventilado. Creo que esta sensación de sofoco y humedad se puede percibir en algunos de los tracks. Pero no todo es el ambiente en el que estamos, es difícil de decir.

L: Definitivamente pensamos en un tipo de universo sonoro para cada canción. Creo que siempre hemos tenido estas atmósferas como melancólicas, a veces muy emocionales. Es algo con lo que nos identificamos los dos.

Creo que ese tipo de combinación entre exuberancia y melancolía es una de las cosas que más me gustan de la música electrónica.

Ambos: Este tipo de tracks son los mejores.

L: También nos gustan mucho cosas como The Orb y The KLF, o el “Selected Ambient Works” de Aphex Twin. Seguro que nos han influenciado.

N: Muchas de las mejores producciones de Detroit, Derrick May por ejemplo, son muy tristes. “Strings Of Life”, por ejemplo, es vigorizante pero también es muy oscura, y ese tipo de sentimiento nos inspira muchísimo. Hay mucha música de baile que simplemente transmite energía desatada, y es una sensación que está muy bien y es divertida, pero creo que incluso te dejas llevar más cuando algo te llega a rincones más oscuros, quizá porque es fácil identificarse con ello, es más natural; es complicado estar contento todo el rato, incluso cuando estás de fiesta. Creo que nuestra música transmite un poco esto.

Ahora que mencionáis Detroit, de hecho el nuevo disco tiene un cierto feeling a Detroit.

N: Sí, totalmente.

Para este disco habéis trabajado con muchos más vocalistas. ¿Cómo entrasteis en contacto con ellos? ¿Existía una relación previa o simplemente fue gente que contactasteis específicamente para la colaboración? ¿Cómo fue el proceso de trabajo?

L: A Laurel (Halo) la conocimos porque se mudó a donde estábamos grabando el disco, tanto ella como nosotros vivíamos ahí a la vez que trabajamos en nuestros respectivos álbumes. Ella trabajaba en la habitación de enfrente, así que empezamos a pasar tiempo juntos y en su caso fue algo muy orgánico, simplemente cruzó el pasillo un día y grabó su parte. A Panda Bear le conocimos cuando giramos con Animal Collective el pasado año, así que fue muy fácil, le mandamos la instrumental por mail y nos la devolvió con las voces. A Kelela la conocimos a través de Dean de True Panther y desde el principio conectamos muy bien, así que también fue algo muy natural. El caso de Romanthony fue el más complicado, aunque desde el principio estuvo predispuesto requirió bastantes mails de ida y vuelta.

N: Le mandamos dos de los cortes del álbum y nos devolvió demos vocales muy rápidamente, dijo que se había sentido muy inspirado por las canciones y eso nos hizo mucha ilusión. Era como un sueño que teníamos mientras hacíamos el disco, pensábamos en plan “necesitamos un vocalista de house, ¿cuál es el mejor?” Y es él. Así que fue genial que funcionara.

Los dos últimos cortes del álbum son los más orientados a la pista de baile que habéis hecho, sin contar “Cheaters”. ¿Os veis haciendo música de baile algún día?

N: Quién sabe [risas]. Sería divertido. Con el track con Romanthony, por ejemplo, procuramos que tuviese una buena intro, para que fuese fácil de pinchar. Pero es difícil sentarse y escribir una canción pensando en plan “esto tiene que ser así”. Quizá si alguien nos hiciese un encargo...

L: Quizá si nos alguien diese un millón de dólares... [Risas]

N: No, la verdad es que sería guay hacer un single de baile para R&S algún día.

Ahora que sale el tema ¿Cómo surgió la posibilidad de editar en R&S?

L: Dan, que lleva el sello, nos mandó un mail a finales de 2011 diciendo que estaba interesado en trabajar con nosotros. Y eso fue muy excitante porque somos muy fans del catálogo clásico del sello. En otra entrevista que hicimos el otro día el chico nos comentaba que de alguna manera el hecho de estar en R&S y True Panther hace que se cierre un circulo, como una representación simbólica de lo que hacemos y el lugar donde nos posicionamos, un poco entre dos mundos. Nosotros no nos vemos a nosotros mismos como una banda de electrónica pop, o electrónica indie, así que poder trabajar con un sello como R&S es muy gratificante.

N: Al principio, cuando contactaron con nosotros pensamos que sería para hacer un EP, porque es lo que suelen hacer, pero luego nos dijeron que no, que querían un álbum. Y eso fue mucho antes de que empezásemos a escribirlo, así que eso fue un poco lo que hizo que nos pusiéramos a trabajar con la mentalidad de álbum, de hacer algo cohesionado.

Se ven pocos directos tan “directos” como el vuestro en el espectro electrónico. ¿Cómo lo enfocáis?

L: Pensamos que la grabación y el directo son experiencias diferentes. Nunca tocamos una canción de la misma manera dos veces porque no podemos guardar todos los parámetros así que siempre hay cambios o pasan cosas que no estaban previstas, pero esto te da mucho espacio para probar cosas nuevas.

N: Todas las canciones están escritas en directo así que no tenemos que “recrear” nada. La configuración de nuestro equipamiento es la misma cuando grabamos que cuando tocamos en directo, y como no lo grabamos con ordenador tenemos que llevarnos el estudio a cuestas cuando nos vamos de gira. Algo que da un poco de miedo porque, por ejemplo, hoy nos han perdido la mitad del equipaje.

"La verdad es que prefiero que alguien como Skrillex sea tan grande antes que gente como Nickelback"

Cambiando un poco de tema. ¿En tanto que americanos que hacéis música electrónica, cómo veis el advenimiento de la ola EDM y su explosión en el mainstream?

L: Honestamente creo que es guay que pueda existir alguien como Skrillex, te da algo de esperanza. La verdad es que prefiero que alguien como Skrillex sea tan grande antes que gente como Nickelback. Nunca he estado en una rave enorme, no he visto a Skrillex y me gustaría [dirigiéndose a Nick], ¿tú sí, no?

N: Sí, fue increíble. En realidad es como el nuevo pop. En Estados Unidos el hip hop y el R&B han sido la principal música pop durante los últimos 10 o 15 años y no quiero que eso se pierda porque es algo que me parece muy americano y hay cosas increíbles. Y algunas de las cosas que se hacen ahora en la EDM parecen como artistas americanos queriendo hacer algo al gusto europeo, algo mucho más global, y diluyen un poco su estilo para hacerlo sonar ‘trancey’, esto puede estar guay si se hace bien, pero algunas cosas parece como si quisieran difuminar las culturas y sonidos locales, que es algo que ha influenciado mucho nuestra música. Cosas como el techno de Detroit, el house de Chicago o el house de Nueva York o Nueva Jersey, cosas que están muy focalizadas, que vienen de un lugar muy concreto. Pasa algo similar con artistas en nuestra onda, que provienen de escenas muy concretas, con gente haciendo cosas similares. Y también está el hecho de que haya canciones que sólo son populares en la radio de una ciudad, como música de club de ese lugar en concreto y la posibilidad de perder esto creo que es uno de los aspectos negativos de la EDM. Pero definitivamente me gusta mucho Skrillex, también me gustan algunas canciones de Avicii, realmente soy fan de cualquier buena canción.

"La mayoría de americanos aún ve el techno como una cosa de europeos blancos sin ser muy conscientes de la historia"

Ahora que hablamos de la cultura americana. Siempre me ha confundido un poco la relación de los americanos con la música electrónica y la música de baile. Es extraño, porque con lo importante que ha sido el país para el desarrollo de la música de baile luego cuando vas a clubes de ahí te da la sensación de que no existe la misma cultura en relación a la música de baile que tenemos, por ejemplo, en Europa.

N: Sí, es completamente diferente.

L: Creo que la mayoría de americanos aún ve el techno como una cosa de europeos blancos sin ser muy conscientes de la historia, pero no sé muy bien por qué. Es muy raro.

N: Es como si la historia se fuera borrando con el tiempo. Pero aún hay algunos lugares donde puedes percibir el viejo espíritu. La otra noche, volviendo a casa en Brooklyn, pasé al lado de un sitio en el que estaban celebrando una fiesta para el día del orgullo, y era una noche deep-house y estaba lleno de gente de treinta y tantos, gente que obviamente había vivido en la época en la que esa música era muy popular en los clubes y se sabían todas la canciones, cantaban todos los clásicos... Así que definitivamente todavía hay gente que conoce la historia del house y el techno americano, pero no el público en general. La EDM es como la gente ve la música de baile ahora. Todo es una cuestión de qué edad tienes y de lo que has vivido y conocido.

Antes de acabar, no puedo dejaros ir sin preguntaros por vuestra web. ¿De dónde viene todo ese rollo Angelfire?

L: [Risas] La hicimos en nuestra habitación en Oberlin con nuestra amiga Cordelia un poco como una broma. Ella era muy buena con HTML y tanto a ella como a nosotros nos encantan los gifs, y empezamos a subir todas esas cosas. Dijimos “vamos a hacer una falsa web de fans de una boy-band”. En realidad está un poco basada en una fan-web que tenía Nick de la banda Blaque...

N: Sí, me hice hacer esa web en serio, cuando era adolescente [risas]. Pero, en fin, toda la estética con la que empezamos la banda no estuvo muy planeada. En ese momento nadie utilizaba ese tipo de estética y ahora ya he visto a gente que utiliza esa misma estética de net-art primigenio. Del mismo modo en que ahora hay muchos proyectos que apuestan por la electrónica en directo en el underground. Antes era más una cosa de la escena noise, quizás...

Creo que eso se debe en el underground americano hay mucha gente que proviene del hardcore y el noise que ahora se ha pasado a la electrónica. La gente de 100% Silk es un buen ejemplo.

L: Sí, es divertido porque cuando empezamos ambos éramos fans de Mi Ami, la primera banda de Ital, y lo que hacían no era puramente electrónico pero podías percibir que buscaban hacer algo nuevo.

N: No me gustaría pensar que alguien cree que nos hemos subido a algún carro, porque cuando empezamos estábamos en medio de ninguna parte, obviamente teníamos influencias pero en términos de otras bandas que hacían cosas similares éramos literalmente cuatro gatos y nos conocimos a través de internet, y ahora parece que todo ha crecido y se ha formado una escena, y es algo genial.

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